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2、隨著朝廷對琉球國王進行冊封的使團及其活動而傳播（1）在冊封使團的組成人員中有職業樂手或兼長音樂者。他們為冊封活動演奏各種儀式音樂，把中國的鼓吹樂帶到琉球。（2）由冊封使或冊封使團人員把中國的樂器帶到琉球。（3）冊封使團人員在琉球逗留期間參與當地的音樂藝能的教學、演出、觀摩活動，而將中國音樂文化傳播于琉球。
3、隨著華人遷徙琉球或其他方式的人員來往而傳播
4、經由琉球學生來華留學而傳播琉球學生來華留學有官生、半官生、自費生三種。第一批以官生身份入國子監讀書的琉球人于明洪武二十五年（1392）來到中國。自此以后，在明清兩代，琉球不斷派遣官生到中國留學。他們在國子監讀書期間，不僅享受公費待遇，而且還有皇帝的豐厚賞賜。半官生、自費生則在福州就讀于私學。這些留學生在中國除了學習典章、制度、文物、儒學之外，也把中國音樂帶回了琉球。②
二、中國音樂在日本的傳播現狀
1、改革開放之前中國音樂文化在日本的情況20世紀初直至80年代左右，中日之間的音樂文化交流無明顯的互動。首先，在歷史上傳入日本的中國音樂文化經過在日本的融合，已經成為日本本土文化，帶有了日本的民族特色。其次，明清以來，日本對中國的文化的尊崇態度有所改變，甚至有所偏見。可以說在明代以后，日本基本上停止了對當時中國文化的重視。最后，近代兩國的音樂交流主要是西洋音樂通過日本傳向中國。因此，在改革開放之前，日本對中國民族音樂處于無交流、不了解狀態。
2、改革以來中國音樂向日本的傳播在20世紀80年代末延續到90年代中期的出國潮中，大批人走出了國門。其中包括音樂專業人士、從事音樂工作的人士以及業余音樂愛好者。他們一起推動了音樂文化的交流與傳播。（1）展示、宣傳與融入。中國音樂文化最開始是以展示、表演的形式進行推廣，曲目大多為國內的民族器樂的樂曲。到了90年代中期，中國音樂展示逐漸有了變化，日本和西洋的樂曲開始增多，從展示階段開始轉入融入階段。中國音樂文化在日本社會的融入，有兩個方面。一方面是樂器融入，另一方面是音樂融入。樂器融入是讓日本人熟悉我們的樂器，產生好感；而音樂融入則是演奏日本人熟悉的樂曲以及日本的民族音樂。融入的做法各種各樣，包括到日本各地演出、與日本演奏家合作演出等。開設音樂教室，是中國音樂融入日本社會的成功之舉。在日本，藝能（音樂、曲藝等）界的教育與傳播，基本是靠民間教室的個人教學來進行的。在日本大眾的支持下，大量的二胡等樂器的教室，在各地開設了起來。其中既有中國人主辦的教室，也有日本人為主的二胡教室。（2）日本人對中國音樂的支持。日本人對中國音樂的支持，是中國音樂和樂器在日本生存的基礎。每個中國音樂演奏者的背后，都有一些日本人的支持和奉獻。介紹日本的中國音樂，還必須提到的是“女子十二樂坊”，這是按日本人的欣賞趣味而打造的中國音樂形式。她們在日本得到了充分的包裝和藝術上的雕琢，并在那里取得了成功，之后，又在國內得到了認可。“女子十二樂坊”不僅向國外展示了中國樂器與音樂，同時在宣傳中國音樂與樂器方面也起到了良好的作用。③
三、如何推廣中國民樂
中國對日本的音樂文化傳播可謂是歷史悠久，源遠流長，已有很好的音樂文化基礎，受眾面很廣，群眾基礎很扎實。那么如何更好地推廣中國的音樂文化呢?
1、民族音樂在海外傳播需“入鄉隨俗”民族音樂在對外傳播時應爭取共性，易于被當地人接受。因此，對外傳播的音樂文化應進行適當演變，使之符合當地文化。
2、推動經濟發展、提高綜合國力以及提升國際形象、國際地位睦鄰友好，建立友好邦交。只有建立友好的邦交關系，才有利于國與國之間的文化交流與發展。
3、傳承中國民樂的基礎上實現創新與融合如將中國樂器與爵士、搖滾等現代流行因素相結合，演奏中國的傳統樂曲和西方人耳熟能詳的經典曲目，進行演奏曲目創新與樂器演奏創新。
4、加強國際間的音樂交流與合作，促進音樂文化的傳播改革開放以來，我國音樂界一直以“請進來”和“走出去”的方式，進行多種形式的文化交流。今后，還要規模化、常態化，特別是利用重大節日、邦交紀念、重要人物互訪等契機，加大力度組織宣傳匯演，有效推動中國民樂更好更快地走向世界舞臺。
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古代君王常命樂官至民間采風，音樂可以表現人的情感，以及內心的喜、怒、哀、樂，因此借由音樂去了解民心是最直接的方式，如太平時代政治平和，人民安居樂業，因此音樂的音調就是安詳歡樂的；而亂世時期政治混亂，百姓流離失所，所以音樂的音調也同樣是哀怨憤恨的。除以上所述音樂與中國政治、哲學的影響之外，更直接的是藝術的陳述與呈現。以下就中國音樂的本質與中國文化的關系做出闡述。
一、對生命的深刻認知
中國文化的基本精神之一就是追求生命的享受，這一點便決定了中國文化――當然也包括中國宗教的強烈的世俗精神。而中國音樂所具有的哲學都是生命哲學，所具有的藝術都是生命的藝術。也可以說，中國音樂的文化就是以生命為本的文化，所謂“以生命為本”，就是指文化的一切功能都指向人的生命的安樂與長久。正是在這一心理的支配下，才形成了中國音樂的藝術，同時也包括文學和美術在內，它們都屬于“樂感”文化的范疇，都體現了自遣、自娛、自得、自足的審美精神。因此，中國的文化在精神上本來就是自得、自足的文化，中國的音樂側重生命的享樂，它不需要外部世界的證明，只要個人自己的真正感受便足矣。因此人的心靈是自己支撐自己，自己證明自己，它是在自己的世界中得到自得與自足。
二、自然哲學的關照
1.“自然”是中國藝術的重要主題
在中國藝術中無論文學還是美術都大量地以使用自然為藝術創作的內容，如田園詩、山水畫等。隱居在山林描寫田園生活、回歸大自然靜觀生命的隱士們樂在大自然的享受，這與老子、莊子崇尚“自然”的思想不謀而合。大思想家老子將自然與人的關系喻為母子關系，這實際上強調了中國人在“天人”觀念上講究“融合”與“和諧”。在中國人心目中，“自然”是富有生命情調、富有靈性的萬事萬物。人們善于移情于物，將自然事物擬人化，文化肌理中貫穿著“天人合一”的思想觀念。在美術的范疇里，以自然為對象，無疑是想從中體會自然之趣與自然之美。而中國音樂與詩歌、書畫的借物寓情的審美傾向是一致的。
2.模擬聲響在中國音樂中的運用
中國人喜歡模擬自然聲音，并將之直接移入到樂曲中，這一做法是非常獨特的，在外國的音樂中是罕見的。在中國民間音樂中常見的模擬聲有水聲、鳥叫聲、風聲、馬鳴聲等，這些聲響，讓人有身臨其境之感。
（1）模仿水聲
古箏曲《漁舟唱晚》描寫漁村平靜的生活，漁民們在碧波萬頃的海面上蕩舟，當夕陽西下時滿載魚蝦，蕩舟歸漿。樂曲前半部分描寫漁村平靜的生活，后半部分同一樂句反復四次，四種不同的變奏手法以由慢漸快的速度描繪了海上氣候的變化萬千，由風平浪靜至暴風雨，把水聲的不同變化形象地表現出來。
（2）模擬自然聲
中國人愛好自然，往常模仿的對象就是山水。古人云：“仁者樂山，智者樂水。”古琴曲《流水》由于“伯牙與子期”的故事而成了知音的代稱，是廣為人們熟悉和喜愛的經典之作。全曲由“高山”和“流水”兩部分組成，前半部分渾厚而優美的音色，表現出巍巍高山的雄壯氣勢；后半部分模擬水聲，時而潺潺流水，時而急流澎湃。音響效果詩情畫意，讓聽者有親臨水邊之感。
（3）模擬馬鳴聲
二胡曲《賽馬》，樂曲開始時描寫了奔騰激越、縱橫馳騁的駿馬，刻畫了蒙古族人民節日賽馬的熱烈場面。樂曲創造性地運用大段落的撥弦技巧，模擬馬蹄聲，使樂曲別開生面、獨樹一幟，把草原遼闊美麗、萬馬奔騰的場面和牧民們的喜悅心情表現得酣暢淋漓，同時把二胡的演奏技巧提到了更高的水平。
（4）模擬人聲
管子曲《江河水》表現了一位女子在江邊，面對江水，失聲痛哭懷念亡夫的悲痛心情。樂曲的主題為起承轉合的四句。第一句旋律色彩暗淡，管子近似人聲哭泣的情調，音樂凄涼悲切。第二句旋律突發性的十度上起，并兩次向上沖擊，表現出無比悲切的情緒。接著第三句節奏頓挫，斷后即連，似悲痛欲絕，泣不成聲。最后是第一句的變化重復，為中段的轉調做準備。
三、與文人的自娛相伴
在中國傳統文化中，音樂是每一個文化人的必修課。修習這門課，目的在于培養情操，提升素養，使生命過程更加和諧美好。在中國文人的修身四課――琴、棋、書、畫中，音樂修養被放在了第一位。中國歷史上的許多精英人物無不精通音律、熟諸琴藝。在政治、經濟、文化高度發達的盛唐時期，音樂也是空前的繁榮，其中唐玄宗李隆基功不可沒。從某種程度上講，李隆基是唐代音樂的締造者和設計師，他對音樂的愛好給唐代音樂的發展營造了良好的氛圍和廣闊的空間，他設立的宮廷音樂機構梨園培養了大批的音樂人才，同時他與眾梨園弟子創作、表演了大量的音樂舞蹈作品，這些作品直接促成了唐代音樂的繁榮，推動了音樂的普及和發展。
四、對人生際遇的詠嘆
在中國傳統音樂中，除了歌頌自然哲學的作品外，更多的是用“哀怨地”、“悲憤地”、“深沉地”、“感慨地”等表情字眼來輔助表現的樂曲。如陜北信天游里哭腔的產生就是人民生活的苦難與傷心哭泣，這種唱法是在某些音的后面往上高四度，還不到位就在中間停住，聽似哽咽卻又勝似哽咽。而中國文人為國為民的感傷，在文學上、詩詞中也不勝枚舉。如愛國詩人屈原的“長太息以掩涕兮，哀民生之多艱”，李白的“中夜四五嘆，常為大國憂”，陸游的“一身報國有萬死，雙鬢向人無再青”。當得不到重用，個人抱負無法施展時，他們便會感傷懷才不遇，于是便在藝術中宣泄人世間的曲折滄桑，從中忘卻、消解心中的不滿與苦悶。
因此“借物寓情”的手法在中國音樂中是常見的，它是一種心靈的滿足，現實中無法實現的夢想、不敢表達的情感和苦悶，往往都是借由藝術來抒發。藝術也由此孕育著一種補足的功能，此功能是以現實處境的殘缺為前提，而藝術“誠于中，形于外”的心靈投射，照應到生命的不足才是它真正的基點。
此外，在中國“男尊女卑”、“女子無才便是德”等封建觀念的影響下，女性的地位是卑微低下的，她們沒有受教育的權利，沒有表達感情的機會，她們的情緒是受壓抑的。尤其是那些被選送入宮的女子，一旦失寵，就被重樓深鎖，過著與世隔絕的日子。如琵琶曲《漢宮秋月》，樂曲曲調憂傷哀怨，把這些女性生命中無可奈何、寂寥清冷的感慨描繪得淋漓盡致。
所以，中國音樂大多是屬于喟嘆的，喟嘆人世際遇的樂曲雖無明確的描繪對象，卻是最動人、最深刻的作品。中國歷史上出現過許多亂世，成千上萬的百姓流離失所、妻離子散，這些不幸者的生命所受的打擊是非常大的。歷史上常有文人為了“十年寒窗無人問，一舉成名天下知”而離別；有軍人因遠戍邊陲而別離；也有為官被貶而遠離家鄉，這些離別之苦在中國音樂中都表現得淋漓盡致。
五、對生命境界的超越
音樂是人的生命中直接流淌出來的特殊音響，在人類任何文化中都是不可或缺的，無論是低低地吟唱，還是鏗鏘有力的鼓聲，或者是大型管弦交響樂，都是人們抒感的。中國音樂和中國文化一樣，抒發的情感是生命的情感，是對生命境界的無限超越。如山東箏曲《美女思鄉》，此曲為大板第二，慢速，通過上滑音、下滑音、慢吟、按顫音等技法的演奏，描繪了一種安靜、思念的狀態，表達了漢代美女王昭君深處異地、思念故鄉的感情。琵琶曲《雙聲恨》取材于牛郎織女的傳說，表達了男女主人公在哀怨纏綿之中渴望掙脫桎梏，向往幸福、自由的思想感情。
總而言之，中國音樂與中國文化息息相關。中國音樂重生命的享受，文化心理上的差別對音樂精神特征有著直接的影響。而文化對音樂不同功能的要求方面則主要體現在由文化精神而形成的主體功能的張力上。所以，中國音樂是自娛的、內斂的、自足的，并且這種藝術的陳述與呈現是由內在情感的抒發引起知音的共鳴，從而得到心靈的慰藉與超越。
參考文獻：
［1］禮記?樂記?樂本篇［M］.
［2］劉承華.中國音樂的神韻［M］.
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一、虛與實的結合
張世英認為，“中國古代文化中，儒與道是其中的兩家兩派，但究其實質，卻代表中華文化之一體中的“虛”與“實”兩個方面：儒家雖亦言境界，但主要講人倫道德的境界，是實；道家雖亦言人事，言實，但它著重推天道以明人事，天道仍居本根地位，所以主要是講虛。”可以說，儒道兩家是人性之虛實兩面在文化方面的反映。
儒家的基本思想精神是仁。在《論語》中，孔子多次提到了仁，他所提的“仁”，是基于人的生命之上，從生命的角度看待與處理人倫、人際關系，蘊涵著其美學精神。“仁是對人之生命的鐘愛，有一個人際之‘親’的結構蘊涵在其中，這結構的骨骼’是等級性的‘禮’，而其‘血肉’是居于審美意義的親情，這也便是‘樂’。‘樂’是人之本在的在這個生命世界中的歡愉和喜悅，是生命本身所洋溢的喜劇性情調。”孔子把“樂”作為感染人情、陶冶人性以及培養“仁”的精神的最佳行為方式。他把音樂看作生活中重要的組成部分，并主張把音樂的活動與人們的生活協調起來。孔子說：“人而不仁如禮何，人而不仁如樂何?”他提倡樂教，主張“游于藝”、“成于樂”，強調在詩、歌、舞的審美活動中，獲得自由與愉悅，最終在“樂”中實現個人主觀修養的提升與全面發展。中國的傳統文化以倫理為本，決定了音樂的“陶冶功能”。上古周代，談“樂”就必然涉及“禮”，如《周禮》、《儀禮》等古籍文獻記載，古代雅樂中的樂舞用于吉禮，如人神、鬼神相通等重大典禮場面，詩樂與鄉樂用于嘉禮、賓禮和人際交往及親近的愉悅的儀式場面。禮樂思想的根本在于維護、鞏固社會既定秩序的和諧與穩定。
“游于虛”乃道家思想所要求于審美意識的核心。“游”是一種精神之游，屬于心靈活動的范疇，就必然決定它具有虛無性的特征。莊子所首創的道家思想和審美觀點之所以酷愛大自然之美，就在于一個“虛”字。莊子崇尚自然美，他的美學思想是“法天貴真”，即認為音樂的本質是“民之常性”，音樂要擺脫禮的束縛，合乎自然、合乎人的本性。音樂美的準則是自然而不造作，樸索而不華飾。強調“言者所以在意，得意而忘言”、“心齋”、“坐忘”。要求審美主體忘掉自身、忘掉功利，超越個人的生理感官、擺脫個人之機心，用心靈去感受、體驗、想象，從而達到與自然融為一體的自由審美境界。莊子對自然之樂倍加推崇，他把聲音分為三種：“人籟”、“地籟”、“天籟”，是指人為的樂音，風吹草動的聲音、完全自然的音響，這種音樂“聽不聞其聲，視之不風其形，充滿天地，苞裹六極。”“游于虛”具有自然無為性，是一種完全超越時空、超越現實的自由精神狀態，這也是一種審美的境界。
儒家重視道德修養，直截地將人與人之間的關系問題作實在的政治、倫理的建構，以積極入世的精神實現其自我慣常的道路；道家則主張修道、淡泊名利，心游于無窮。道家審美精神之“虛”與儒家之“實”相輔相成，是中國傳統音樂美學思想之精髓。
二、天人合一的美學境界
“天人合一”是中國文化史上長期占主導地位的思想。儒家和道家是兩種不同類型的“天人合一”觀。儒家的“天”具有道德性，是人與“義理之天”、“道德之天”的合一；而道家的“天”則指的是自然，不具有道德含義，是人與自然意義之“天”的合一。
孟子是儒家“天人合一”的倡導者，他認為，“人在于人心，盡其心者，知其性也；知其性，則知天矣。”即包括封建倫理綱常等所有的道理都可以在人們的心中找到。努力挖掘自己的內心世界，擴充內心固有的善端，理解了人的本質特性，也就認識了外在的天理。這樣的“窮理”，既是求知的方法，也是道德修養的方法。孟子繼承了孔子“仁”的文化思想精髓，他認為“仁”是人生來就固有的，音樂可以陶冶人性，進而規范人的行為、意識。他還要求“以德行樂”，用音樂來表現喜樂之情，宣揚仁、義之德。茍子在“仁”的基礎上進一步提出了關于藝術審美標準的“中和”觀點。中和源于上古時期人們對宇宙萬物和諧統一的運動規律的認識。后來人們認識到，音樂中五聲、五律、八音的相濟相成，協調統一，就體現了天地之和，給人以美感。茍子提出中和之樂能給人以平靜安寧，喚起人們的仁愛之心，有利于協調人與人之間的關系。中和是真善美的統一。孔子對音樂的要求是盡善盡美，美善統一，即中和之樂。“子謂《韶》，盡美矣，又盡善也。謂《武》，盡美矣，未盡善也。”韶是舜樂，體現了舜的仁的精神，既仁中有樂，樂中有仁。因而，“子在齊聞《韶》，三月不知肉味，日：‘不圖為樂之至于斯也’。”武是周武王之樂，含有發揚征伐大業的意思，充滿了武力，雖然“盡美”，卻未能“盡善”。這種戰爭之樂是“仁”所排斥的。只有“樂而不，哀而不傷”合乎中的樂，才是盡善盡美的，而只有盡善盡美的中和之樂才能喚起人們自覺行仁的要求，才能把審美與藝術和政治教化聯系起來，達到孔子所追求的治國平天下和個體人格與人生自由的最高境界。
道家其根本在于自然之道，如老子所講：“人法地、地法天、天法道、道法自然”。(《老子》通行本25章)道家注重天人關系、即人與自然關系，主張人與自然存在著不可分割的聯系，相互影響，相互制約。人應該順自然，與自然和諧相處。道家這種自然人文主義的精神特質是指向對“道”合規律與合目的性的洞察與想往，洋溢著濃厚的人文情結。從中國傳統音樂存在的整體狀況來看，道家自然人文主義與音樂的關系主要顯示在中國傳統音樂與自然生命生態相統一的力量和意趣，箏曲《寒鴉戲水》前半部分的慢板節奏寫出寒鴉在岸上蹣跚的步態，憨態可掬，趣味盎然；后半部分的快板則寫出寒鴉們在水中的活潑敏捷，煥發出旺盛的生機。中國的傳統音樂如中國水墨畫上空靈意境所顯示的自然圖景：千里山川、無垠天空、滾滾江濤、靜靜田園，是自然生命場、地理場、物理場所構筑的宇宙生命能量的相互力動，是天籟、地籟、人籟的合一。
儒家通過重視人格修養“與天地合其德”以達到天人合一，道家則是通過崇尚自然之天并把人復歸到天以達到天人合一，儒道兩家可謂殊途同歸。
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一、“音樂藝術”與“音樂文化”概念的提出
嚴格的講,“音樂藝術”所指代的是一種特定的藝術形式,即由有組織的音樂所構成的聽覺審美對象。對這種藝術形式的價值判斷,尤其是審美價值的判斷,無論是在不同的民族之間,還是在不同時代,不同流派之間,都難以形成一個劃分高低優劣的統一標準,只是一個眾所周知的事實。因此,在“音樂藝術”這個概念所限定的層面上,我們可以說:“音樂的價值是相對的”。
然而,“音樂文化”這一概念的內涵,已遠遠超出了“音樂藝術”所限定的范圍。音樂文化包含音樂藝術,但卻并非指音樂藝術。“音樂文化是多種性質不同、形式不同、作用不同的音樂現象的綜合物”,他所指代是一些特定的文化現象,這些現象與音樂藝術有著千絲萬縷的聯系,但它們也有著自身的特征、性質和作用。總之,“音樂文化”是一個大的概念,而“音樂藝術”是一個較小的概念,我們不能用小的概念來涵蓋大的概念,我們必須懂得,我們探討的是“音樂文化”這個概念屬下的諸多文化現象,而不是某種藝術形式的審美屬性和藝術品位。
文化,按照廣義,通俗的理解,就是指人類的創造,是人類物質文明和精神文明的總和。音樂文化作為人類文化的一種具體形態,它必然也是物質、制度、觀念的綜合體。從歷史的,文化人類學的全部觀點來看,審美價值是音樂文化多種價值中的一種,而不是其全部價值或唯一價值。因此,我們不能夠僅僅從意識的,藝術的,審美的層面去看待一個國家的音樂文化,更要結合著物質的,制度的,觀念的層面去看待一個國家的音樂文化。
二、中國音樂文化發展存在的問題
中國的音樂文化發展有著五千年的歷史,到了二十世紀初期,音樂課作為一門獨立的課程應用于課堂。但是,中國的音樂教育課程設置從近現代到如今近百年沒有發生大的變化,已經不能適應當今世界音樂文化發展。這也就是說,中國音樂文化與當今世界上發達國家音樂文化之間存在著水平上的差距。
中國的音樂文化無論在物質的,制度的層面,還是在觀念的,意識的層面,都沒有能夠適應當今世界音樂文化發展的需要,也沒有能夠充分的滿足中國人民日益增長的文化生活需求,以音樂教育為例:就物質層面而言,教育設施的匱乏,辦學經費的短缺,師資力量的不足,長期以來一直困擾著中國的音樂教育事業;就制度層面而言,中國的教育體制亟待改革,大量音樂人才的分布與流動極不平衡,一些專業音樂院系人滿為患,而大量的音樂普及教育崗位則無人問津;就觀念層面而言,音樂教育觀念陳舊、閉塞、學術視野短淺、狹隘。以上三個層面是阻礙音樂教育事業發展的重要因素。
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一、民族審美心理流變的歷程
在音樂領域美學所涉及的問題是音樂的價值問題。春秋時期，中國歷史上出現了第一部體系完備的音樂理論著述——《樂記》；進而，樂律理論方面的“三分損益法”問世，加之孔子所編纂的歌辭集《詩經》，標志著古代音樂藝術從自發走向了自覺階段，為此后中國的音樂發展奠定了深厚的理論基石和創作的物質借鑒。中國近現代學界趨向一致地認為：“中國古代最早形成自覺并真正走向成熟的藝術是音樂。”它為華夏藝術的民族化，即民族審美心理的對象化，其中包括欣賞的習慣、口味、評價的標準等勾勒了草蛇灰線。
《詩經》中，以“風”為綱目的庶民百姓音樂，流麗婉轉，多繁音促節，直率地表達了下層勞動人民的思想情感，具有“清水出芙蓉、天然去雕飾”的純真美和濃郁生活氣息的樸實美。以“雅”為綱目的奴隸主階級享用的音樂，其節奏舒緩，旋律平穩，呈現出一派莊嚴、肅穆的氛圍。其樂舞陣容浩大，樂器穿透力強勁，給人以崇高、壯麗、恬靜美的感受，顯示出“治世之音安以樂，其政平也”(《呂氏春秋》)的統治者心目中的社會現實。以“頌”為綱目的宗廟祭祀的樂舞，節奏沉郁，聲調悠長，彰顯了遠古圖騰崇拜的遺風和神秘的宗教象征美的特征。
這是中國古代音樂發展的一個十分重要的時期，既是儒化音樂的確立期，也是俗化音樂的濫觴期。
時至魏晉南北朝時期，佛教開始傳人中國，宮廷樂舞除繼承“頌”的傳統外，又融入了佛教音樂的色彩，社會整體的審美趣味，則向“天人合一”的方向傾斜。以樂琴、相和聲、商清樂為特色，或借景抒情，或寄情山水，或狀物寓意，顯示出人l生和自然的和諧美。
隋唐時期，生產力得到較大發展，社會審美心理要求音樂革新的呼聲日高，音樂藝術順應時代做出了反饋。其時，以歌舞大曲最具特色，有著一種朝氣勃勃的宏闊氣度和兼收并蓄的博懷。它廣泛吸收了國外和異域的音樂所長，其中包括印度音樂和草原民族的馬背音樂以及西域的胡聲音樂，使之更加豐富多彩，富麗堂皇，“異”彩紛呈。繼而，這種融合多元文化的音樂藝術，又重新傳播于周邊國家和地區，沿著絲綢之路遠播海外，顯示出大氣凜然的陽剛之美和中國音樂文化與世界文化相互交融的走向。“千歌百舞不可數，就中最愛《霓裳舞》”。自居易用詩歌所描繪的大唐宮廷樂舞，顯現出盛唐音樂繁榮景象之一隅。
宋元時期的音樂，融入了更多民間審美情趣，并涌現出一批自由度曲的作家。北宋統一中國之后，工農業生產逐步得到恢復，市民階層力量壯大，適合城市人民生活需要的音樂以及新的音樂形式應運而生。藝術歌曲、說唱音樂、歌舞音樂和新的器樂紛紜出現，并涌現出一批以音樂為生的專業藝人，使音樂走向一個新的境界。元代時期，政治黑暗，人分四等，職分十級。知識分子，尤其是漢族知識分子，備受壓抑，其地位序列是“八九儒十丐”。在這種嚴酷的環境和卑微的心理狀態下，迫使廣大藝術家更多地和民間接近，把滿腔的悲憤傾注于音樂創作之中。這一時期的雜劇和說唱藝術在民間迅速發展，更多地表現了下層人民生活的苦難，他們的掙扎和痛苦，具有強烈的人民性和悲劇色彩。席勒說：“悲劇作品使觀眾情感上產生痛苦，可是在理智或者道德上，卻使人產生。”
明清時期，近代資本主義的生產方式，從封建的母體中逐漸顯露出雛形，“兩種文化”(列寧語)尖銳對立。代表封建統治階級的腐朽文化和代表下層人民民主愿望的新文化之間的矛盾開始激化。因此，這一時期底層階級的大眾音樂也趨向多元化和多樣化，以多種風格見長的俗音樂，呈現出在繼承與發展中的錯落美。
二、中國古代音樂審美的內在機制
1．以“中和美”來展示內在體驗的世界
美學這個詞是從希臘文轉化而來的，其原意是領悟，特別是憑著感覺，即察覺、感受這些內在體驗的詞派生出來的。因此，它的內涵涉及的是感官方面的體悟，而不是理性方面的概念。藝術家的美學觀，不僅表現在他們的藝術觀中，也體現在他們對社會和大自然的認識上。中國古代藝術家的美學觀，主要是以倫理學和哲學的辯證統一，藝術哲學和藝術心理學相輔相成的方法去考察和研究藝術現象的。他們尤為重視人的情感，“感人心者莫先乎情”(白居易)，把人的情感看做是藝術的特質。中國古人的世界正是建立在情感體驗基礎上的，情感體驗的世界是“天人合一”的世界，中國古代藝術就是在這樣的世界中形成與發展的。所以，古代藝術作品是理智與情感、感性與理性相統一的存在方式，藝術的、社會的理性內容，凝結于審美心理形式之中。
我國古人崇尚美與真、美與善的統一，認為美可以辨別事物的真偽，可以提高道德的修養，怡情養性。他們提倡：“情須合理，聲須有度，欲須有節。”儒家倡導恬靜淡雅的“中和”之美。何為中和?不偏不倚謂之中，不奇不正謂之和。道家宣揚“法天貴真”的自然美，在師法大自然中尋求人與世界和諧共處的真諦。于是，“和為貴”、“天人合一”，不僅成為中華民族性格之特征，心理之追求，也成為藝術家審美之理想。于是，在音樂上就產生了人與動物和諧共處的《平沙落雁》，贊美祖國山河壯麗的《夕陽簫鼓》，謳歌大自然萬物復蘇的《陽春白雪》，以及追求內在和諧和外在自由的《酒狂》等等。正是基于這種認識，李澤厚稱中國文化是“樂感文化”，是審美型的文化。即音樂感受、情感體驗是中華文化的原創力，這就和西方源自猶太教——基督教的“罪感文化”劃開了界線。西方世界重理性，重思維，強調的是藝術對現實的再現及其認識作用。在人與自然的關系中，古希臘藝術強調的是人和命運(自然)的抗爭。人盡管有著健全的理智，強健的體魄，超人的氣度，但最終還是被大自然所征服。他們稱這種宿命為“命運”，古希臘悲劇于是被稱做“命運悲劇”，并產生了三大悲劇家以及弗洛伊德稱之為“里程碑式”的悲劇《俄狄浦斯王》，這種審美情趣遂成為整個西方文化的基調。直到近代西方交響樂中，仍在出現人和命運抗爭的作品，但這種觀念正在悄然發生著變化。
18世紀以來，受東方文化的影響，尤其是老莊文化的影響，以法國為中心掀起了學習中國古代文化的熱潮。伏爾泰改編了中國戲劇《趙氏孤兒)；盧梭大聲疾呼“返回自然”，“做自然人”；拜倫創作了一系列“東方敘事詩”；別林斯基說，“美是道德的親姊妹”；高爾基說，“美是未來的倫理學”……一個中國文化世界化，世界文化中國化的新的文藝復興運動正在醞釀之中，其本質是追求“道法自然”的“中和之美”。
2．以獨特的音色美作為音樂品味的價值尺度
一部優秀的的音樂作品，就內容而言，是人化的自然美；就形式而言，則是它的音色美。前者可以通過各種藝術手段加以實現，如繪畫、雕塑等，而后者只能通過音樂來完成。因此，音色美就成了區別其他藝術、衡量音樂作品的最重要價值尺度。音色即音品，它是指一件樂器或一個演唱者的嗓子所固有聲音的獨特色彩、品位。任何一個旋律、和弦，都是在特定聲音中被聽眾所感知的。優美的音樂，給人以如醉如癡的陶冶和精神美的享受。衡量一個藝術作品審美價值的標準，是在審美經驗中所引發出來的樂趣。在現代音樂中，我們常常會沉浸于小提琴那銀鈴般的聲響，癡迷于戲劇男高音金屬般的震顫，顛狂于鋼琴那雄渾的共鳴，陶醉于女高音高亢的歌喉……這是因為某種音色只能屬于某種特定的音樂，特定的音色可以強化特定音樂形式以及音樂所表現的內涵，因而音色具有特定的感彩，塑造特定的音樂形象。里姆斯基·科薩科夫曾經寫道：“為了了解藝術作品，需要崇高的愛，并理解和聲、旋律、節奏、聲部進行、音色和細微色彩的作用”，要把它所有的方面作為藝術整體不可缺少的一部分，在其不可分割的統一中，加以感知。
我國的民族樂器，按其制作的質地，可分為金、石、絲、竹、革、木、匏、土等所謂“八音”，以此造就不同音質的民族樂器。我們有幸感受到笛子音色的甜美，洞簫音色的純厚，二胡音色的細膩，柳琴音色的溫潤加之演奏者嫻熟的技巧，以及作品美不勝收的品格，使各類樂器的音色美展現得淋漓盡致，渾然一體。獨特的音色美，正是華夏民族之音樂區別于西洋音樂的重要分水嶺。
1978年，在湖北出土的曾侯乙編鐘，以精湛的鑄造技藝，超凡的音樂性能，磅礴的氣勢，震驚了全世界。一組64枚編鐘，雖已埋藏2400余年，依然音色優美，音域寬廣，變化音完備。每枚編鐘能發出相隔三度的兩個音，整套編鐘跨越五個半八度的音域，等于一架C大調鋼琴，被國際音樂界譽為“世界第奇跡”。更可貴的是，其內容豐富的樂律銘文，以及細微的音色變化和鐘鼓齊鳴的合奏形式，開啟了20世紀音樂中重音色、重節奏的原則。在日的盛況演出中，譚盾先生創作的大型交響曲《1997·天·地·人》，由編鐘、大提琴、交響樂隊和童聲合唱隊共同完成。這部史詩性的作品，以獨特的音樂方式向全世界莊嚴宣告，中華人民共和國恢復行使在香港的。音色卓絕、氣勢恢宏的編鐘，已成為華夏民族音樂領域的象征。
3．以寧靜致遠的空靈美作為心靈追求的最高境界
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藝術家是有很多種成功標準的，但無論如何都要為社會的繁榮進步服務。音樂家的成功由諸多因素構成，本文將從人們對“成功”概念的價值期待以及一個具有中國文化特質音樂家應具備的基本因素進行探討。
1 狹義上的成功音樂家
莊子有言：你如果是位大使，為國捐軀，成就兩江和平，那你就是成功的；如果你是名將軍，打勝仗就是成功，如果你是商人，能夠盡自己最大的能力獲得利潤并且回報社會，那就是成功。每個人的成功都不一樣，如果你是學生，認真學習，完成學業，那就是你的成功。我們每個人在社會上都扮演了一定的角色，音樂家的成功與否就是由是否符合本民族期待的角色標準來決定。音樂家的成功最終是要促進本民族藝術的發展。不僅如此，還應把握民族音樂的發展方向，為此肩負起重任，發揮出才能，用音樂實踐發揮出音樂的內涵和價值，感化人們的靈魂，推動社會發展，進行音樂普及。一方面要提升自我價值和地位，就要有反映社會的有價值的作品，發揮自身應有的作用，不貪圖名利。另一方面要實現社會價值，顧及他人，回報社會，得到人民的認可。從音樂家的內在標準看，就是要執著、堅持、求新，目標明確并不斷超越自我，戰勝自己，這就是音樂家的成功。
雖然如此，音樂家成功來源于他做出的成就，既然音樂家是用審美的形式去影響社會的進步和發展，那么他就應該在藝術教育上有所成就，如蕭友梅在上海國立音樂院，任教務主任，他致力于音樂教育事業，為創立和發展中國近代專業音樂教育做出重要貢獻。“其次，音樂家的成就還來源于有較為反映社會生活的深刻富有價值的審美作品，通過藝術作品潛移默化、寓教于樂地對人們的思想意識產生影響，提高國民的精神素質，培養懂美的大眾，如《第九交響曲》是貝多芬最后一部大型作品，是他創作的總結。這是貝多芬規模最宏大、形象最豐富的交響樂，它充滿了關于人類命運的思考，充滿了人類對爭取自由、從苦難到歡樂、從斗爭到勝利的堅定不移的信念。”[1]
2 淺談音樂家成功的因素
2.1 音樂家的天賦義秉和愛好志趣
“在音樂領域，很容易出現才能早熟。” [2] “所謂才能早熟就是各種能力地結合在個體早期就表現出來。” [2]比如莫扎特很小就會作曲、寫交響樂，甚至寫歌劇；譬如：鄭小英小時候不斷從參加小活動開始，培養能力并且從小學習各種樂器，不僅多才多藝，而且知識廣博；她從小表現出很好的組織能力。很多音樂家早期都是多才多藝的，這種才能早熟并不是偶然，而是靠先天的天賦和后天的教育結合得以實現的。“原因在于人有兩種能力，一種是潛力，就是指所謂的天賦，它是靠遺傳獲得。[2]”如胎教就對音樂家的天賦有一定的作用；如果母親在懷胎時有針對性的聽一些音樂或學習演奏樂器，這對胎兒音樂感覺的培養起到良好的作用，如周廣仁先生，母親懷胎時學習鋼琴對她有啟蒙作用，其一出生就對音樂極其敏感。人還有第二種能力，就是人的現有能力，它是與后天的環境、教育和自身的努力有關。[2]一個人的潛在能力能否轉化為現有能力就要看后天的勤奮努力，所以說音樂家的成就不在于你有多大的天賦，當然有天賦只是一個前提，更重要的是后天的努力。很多音樂家的成功并不是靠天賦，有很多極有天賦的人由于意志不夠，一生平庸無為。
音樂家的教育尤其是早期教育是很重要的。如果教育起步的越早，受益也越大。[2]人一生發展的關鍵時期就是在幼兒時期，智力在1到4歲會發展50%，4到8歲發展30%的智力，8到12歲發展另20%的，隨后智力隨年齡呈負加速變化；[2]早期教育是超常兒童形成的條件，也是人的某些能力發展的時期，如音樂能力。周廣仁4歲在上海的一家德國威廉大帝學校受到很好的音樂早期教育，為以后取得巨大成就打下基礎；[3]蕭友梅5歲開始隨父讀書，早期教育很早，后來入新式私塾灌根草堂，接受傳統的“四書”算術教育，同時學習英文和日文，從小就打下了較好的國學和外文基礎，為他之后留學學習音樂打下基礎。[4]
任何一個人都應該找到自己的興趣，興趣是最好的老師，是你奮斗最好的目標。心理學認為，興趣是人們想探究的活動或事物，是人們所真正關心的，所想的，是人們做某種事的精神動力。[5]不光是音樂家，任何人都要經歷興趣的三個階段。第一階段是指有趣，是做事入門的第一步；[5]周廣仁先生幼年階段的音樂啟蒙是從她遇到一位引導她興趣的老師開始。鄭小英在父母的教育下，6歲學鋼琴，音樂感和舞蹈感極強的媽媽，是她最初的啟蒙老師。在她練琴的時候，媽媽是常常伴隨著音樂起舞，這引發了小英濃厚的音樂興趣。 第二階段是樂趣，是一種中級的興趣，[5]它使人從事某種活動更加持之以恒。《心理學》一書上說：“巴埔洛夫依據兩種信號系統之間的相互關系的特點，區分出了三種‘人類所特有的’高級神經活動類型：第一信號系統占相對優勢的――藝術型，第二信號系統占相對優勢的――思維型，以及最后的中間型――兩種信號系統相對平衡。藝術型的特點是直接印象的鮮明性，知覺和記憶的形象性，想象的豐富性，思維型則傾向于分析和系統化，傾向于比較概括和比較抽象的思維，但大多數人傾向于中間型。[6]而音樂家從小對樂趣的堅持，使音樂家形成了一種思維――藝術型占優勢的思維，這種思維是音樂家從小長期的堅持習慣中養成，更有利于使音樂變為音樂家早期的長處，是音樂家的必備。第三階段是一個人從樂趣轉化為志趣，是一種高級的興趣，[5]它聯系著事業的志向目標。音樂家A從小極其熱愛琵琶，他說他一生的熱愛就是她，迷戀著琵琶事業，這就是志趣，它決定了一生的方向，是一生幸福的源泉。
2.2 音樂家積極的人格、心態與堅強的意志
音樂家之所以成家，是因為他所付出的超越了常人的范圍。除了對藝術的熱愛使他能夠從付出的艱辛中獲得快樂，除此之外，就是他面對挫折和困難時的堅強意志。音樂家必須經過不斷的苦練，必須勤奮才能有所成就。所謂意志是指有意識地支配、調節行為，通過克服困難，以實現預定目的的心理過程。意志行為中遇到難以克制的干擾和阻礙，都是音樂家所要面對的挫折，只有堅強的意志才有可能達到成功。首先，堅強的意志取決于承受挫折的能力，這種能力則由對待挫折的態度，即積極的心態決定，也取決于應對挫折的行為方法。[2]瓦爾特?辟斯頓在《對位法》一書中說過這樣一句話，體現了一位藝術家的意志，他說：“除了知識與經驗以外，我們還需要耐心、恒心，和力爭成功的堅強意志。最后還要奉告的是：不論問題如何復雜，我們都要有一股不達到音樂效果的真正高標準就決不罷休的勁頭，真正的考驗是樂曲的音樂實效。”[6]很多音樂家都遭遇了很多困難，但是不管他們遇到任何不幸和困難，他們都體現出積極的心態、堅強的毅力，體現出他們的機智，無論遇到什么樣的困難，他們都心懷希望的改變現狀，創造變化，這體現出音樂家強大的逆〖HJ0.75mm〗境商。是一位愛憎分明的音樂家，遇到不公惡事，他總是挺身而出，因參加了左翼組織《自由運動大同盟》，入獄三年，服役期間，和后來成為“左聯五烈士”的李柔石、何孟雄、胡左頻等同獄，這些革命志士視死如歸的大無畏革命精神使他受到深刻的教育，后來又因為為改善獄中伙食，他與幾位難友發動了絕食斗爭，雖然勝利，但因被人出賣而受到殘酷折磨。在這一過程中，屢遭挫折的他，只能靠面對殘酷折磨所選擇的大無畏精神來支撐，這就是所謂的積極心態。
事實上在采訪一位音樂家后，我體會到對于事情，無論大小都是一樣，想做大事不是空口憑說，而是從小事積累，能做一件成功的事，克服困難，不屈不撓，積極進取，任何事都難不倒。說到一位藝術家的故事，我只想告訴人們，做一件事可以成功的人，做任何事都是同一個道理，都是一個意志的過程。這位藝術家酷愛藝術，尤其熱愛琵琶，因沒考上大學，就上了一所水利中專學校，畢業后被分派到劉家峽水電廠，為了劉家峽一項工程能在1959年截流，作為一名技術員，在一線一連奮戰7天7夜，好幾次差點有生命危險，但他憑著堅強的信念，不屈不撓的苦干，解決了其他工人都畏懼的問題。終于在1959年的最后一天為祖國爭分奪秒完成了重大任務，使得工程按期竣工。經歷了這么多困難，他從藝了，憑著自己的琵琶技能，在藝術團擔任了琵琶演員。通過興修水利工程，他認為干什么事都一樣，都需要勤奮、耐心、吃苦、鉆研、思考、不屈不撓、有信心、不怕困難等精神，形成一種積極的人格特點。音樂家的成就首先依靠自己，依靠自己的這種積極的心態和人格。
2.3 音樂家的專業素養和能力培養
拉威爾說過：“我的目標是技術完美，因為我確知這一目標永遠無法達到，所以我要求自己不斷向它靠近。”[7]可見音樂家必須技術接近完美。不光是音樂家，當今社會的競爭主要是特殊能力的競爭。特殊能力指從事專業活動的能力，專家就是這種在特定領域的精英。音樂家也不例外，他們在藝術領域的專業能力是要鶴立雞群的。格里埃爾在《作曲家的專業和青年作曲家的培養》一書中曾說過：“學習，這就是說，永遠向自己提出新的任務，永遠不滿足于已得的成就，永遠力求前進。”[7]因此，學習對于音樂家專業才能的培養是非常重要的。音樂家不是音樂匠，必須具備淵博的知識和學問，如作曲家應該十分熟悉各國的創作音樂，了解各種創作流派，應該歷史地看問題，找出每一個創作流派的本質內在的東西，不斷吸取營養，因此要不斷探索學習思考的。除了技術的精湛，知識是具有重要意義的，有人說過：“偉大的鋼琴家魯賓什坦和李斯特有淵博的知識，他們對包括全部分支的鋼琴文獻進行了研究，他們知道音樂發展的每個階段，他們之所以在音樂上有巨大的飛躍，原因就在這里，他們的偉大并不在于他們獲得技術的空殼，而是由于他們掌握了知識。”知識指導人們的活動，是能力形成的基礎，這是他們成功的因素之一。
音樂家和明星的區別也在這里。在采訪了一些人時，他們普遍認為明星的基礎文化素質偏低，不具有實效性，他們自我感覺良好，更多的是炒作和利益，不會有好的表現現代社會的作品，作品不細膩和深刻，他們的作品只順應社會中一類人，滿足人們的空虛，不具備高尚的宣傳力和感染力，是一種名聲的追求，并沒有體現出藝術的真正價值。音樂是陶冶心靈的，作為一門藝術，有教育的功能，是具有重要價值的東西。藝術家是藝術的載體，是要有學問的。這種學問小的目的是為顧及他人的，大的方面是要為人民造福的；藝術家還要有道德的。藝術本身是屬于大眾的，為人民服務的，不是為功利為名聲，要學會控制自己；所以藝術家必須具備良好的個人修養，這種修養是建立在博覽群書，融入生活和社會，勤于實踐，積累生活經驗的基礎上的既有小愛，對愛情對親人真誠的愛，又要有大愛，對生活對藝術對祖國的愛，還有非國界的愛；既要視野開闊，培養社會素養，又要熱愛周圍的人和事，對生活中的現象有特殊的理解，同時善于捕捉。
2.4 音樂家的音樂實踐與生活
人的各種能力是在社會實踐中逐漸形成的。除了教育和環境的影響外，音樂實踐對于音樂家能力的形成是起決定性作用的，所謂“施用累能”就是這個道理。[2]音樂家的實踐可以培養專業能力。音樂家的音樂實踐的深度和廣度，決定著音樂家相應能力的高度發展。曾經聽過琵琶演奏家吳玉霞的講座，作為藝術家的她提到：她成功的一方面不僅由于她對生活的熱愛，對生活的積累，及博覽群書有了很高的文化修養；還因為她從小練琴十分刻苦，每天忘我的練琴及對樂曲和技術的不斷思索，不管是比賽還是演出，積累了她豐富的表演經驗和能力，直到中年時期，她還是一直不斷實踐，使她對琵琶的演奏控制能力發展得到完善，無論在音色、技術、音準、強弱、韻味，所表達的情感等對曲子的各種因素的控制能力都逐漸積累起來。
3 培養音樂家的中國文化特質
獨具民族特色的藝術是最世界性的。魯迅說：“有地方色彩的，倒容易成為世界的，即為別國所注意。”[8]所以，走向世界的東西絕不是用模仿得來的。所以中國的音樂家必須具備中國的文化特質，具有中國民族性，才能創作出被世界所共賞的，即具有民族特色又表現出人類的共同美的作品。這就要求音樂家必須又繼承中國的文化，又不斷學習各國的優秀文化，不斷創新。所以在形成民族性方面，不僅多向生活學習，向人民學習，更應該開闊眼界，讀萬卷書，行萬里路，學習中國各地的風土人情和民俗文化，抓住靈感搞創作。真正的音樂家都是在民族文化素養的基礎上積累民族特質的。同時，把世界性的也注入民族的血液里去，形成獨到的藝術風格和形式。所以，音樂家必須在成長中培養堅韌的毅力和積極的人格，培養優秀的才能，開闊眼界，熱愛中國文化，扎根民族特色，不僅使民族得以發揚，而且用各國之長補己之短，使世界和中國的交融，創新出新的藝術。
4 音樂家給青少年的建議
（1）不管你是想從事音樂的哪一領域，也不論你的偉大理想是什么，能力首先是做任何活動的前提，你能做什么事，你就應具有相關的能力，所以多去實踐吧，除了刻苦學習知識，尤其是特殊專業知識，來指導活動，還要不斷從事社會活動把知識轉化為能力。就像音樂家，很善于把理論和實踐相結合，激情基于理論，表演體現學識 。
（2）不斷樹立正確的人生觀、藝術觀，養成良好的藝術作風，有一個端正的態度，熱愛民族音樂文化，形成與周圍人交流生活，從生活中感悟和捕捉，不斷積累創作素材，豐富內心情感世界，在平時的生活中，崇尚真善美，積累并養成良好的性格，并與社會融洽；開闊眼界，培養博大的胸懷。
（3）有一個成功人士認為他成功來源于他一生中遇到了一些好的導師，因此，多交能力好的良師益友，他們會使你跟他們一樣。也要善于虛心向你的導師學習專業，按他的指導努力完善自我。
（4）最重要的一點就是意志，要培養獨立、果斷、自制的良好意志品質，克服不良的意志品質，如怯懦、武斷、容易受別人影響等特點。要勇于實踐、敢于與挫折抗爭，持之以恒，不斷堅持，不言放棄、有主見、有信心等。只有在挫折中看到光明，善于控制不良情緒，受一次挫折受一次磨煉，才能培養良好的心理素質，形成百折不撓的意志。
參考文獻：
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篇7
一、何謂“中國風”音樂
“中國風”，如果按字面上解釋，即有中國特點的音樂風格。當然，這并非是指中國的傳統音樂，而是指在流行音樂領域的一種融合傳統音樂的獨特音樂形式。關于“中國風”音樂的定義，得到大家普遍認可的音樂人黃曉亮在博客中說道:“中國風就是三古三新(古辭賦、古文化、古旋律和新唱法、新編曲、新概念)結合的中國獨特樂種。歌詞具有中國文化內涵，使用新派唱法和編曲技巧烘托歌曲氛圍，歌曲以懷舊的中國背景與現代節奏的結合，產生含蓄、憂愁、幽雅、輕快等歌曲風格。”也有人曾經試著給“中國風”音樂下過如下的定義:“中國風”的歌曲多采用“宮調式”的主旋律;在音樂的編曲上大量運用中國樂器，如二胡、古箏、簫、琵琶等;在唱腔上運用了中國民歌或戲曲方式;在題材上運用了中國的古詩或傳說故事。雖然這兩種說法還有待商榷，但也在一定程度上揭示了“中國風”音樂的特質。
(一)歌詞包含中國古典文化
“中國風”音樂最突出的特點是在歌詞中包含中國古典文化。有的作品直接把古辭賦拿過來運用，如王菲的《水調歌頭》、蔡琴的《如夢令》、伊能靜的《念奴嬌》等，即是把古典詩詞直接譜曲并融入現代配樂來重新演繹。有的作品則是借用古典文學作品中常用的意象如“月”、“水”、“鏡”、“梅”、“竹”、“蘭”、“茶”、“楊柳”等融人作品，如《東風破》、《發如雪》、《臺》、《千里之外》、《青花瓷》、《蘭亭序》等。還有的作品傳達了中國傳統的情感內容，如周杰倫的《以父之名》、《聽媽媽的話》、《蝸牛》等，這些歌曲顯然和中國傳統的重親情的倫理情感緊密契合。有音樂人指出:“‘中國風’音樂作品的歌詞主要有兩大特點，一是歌詞整體營造古典民族的文化氛圍，運用大量的古典意象;二是歌詞中帶有一些鮮明的民族符號，以此來體現民族特色。
周杰倫的代表作《東風破》，其歌詞是:“一盞離愁孤單佇立在窗口，我在門后假裝你人還沒走，舊地如重游月圓更寂寞，夜半清醒的燭火不忍苛責我，一壺漂泊浪跡天涯難人喉，你走之后酒暖回憶思念瘦……楓葉將故事染色結局我看透，籬笆外的古道我牽著你走過，荒煙漫草的年頭就連分手都很沉默”。歌名本身就是詞牌名，其中“離愁”、“燭火”、“古道”、“思念瘦”等充滿古典意象的詞語更是營造出悲涼的氣氛。((青花瓷》中的“素胚”、“釉色”、“臨摹”、“窯燒”等描述青花瓷制作工藝的詞被巧妙融合在歌詞中，同時極力渲染江南雅致淡然的景色，構成了極具畫面感的內容。《本草綱目》借用了李時珍的醫學著作《本草綱目》來傳達古典情懷，胡彥斌的《曹操》則描述了一代裊雄曹操的故事。因此，包含傳統文化是“中國風”音樂在歌詞內容上的主要特點。
(二)編曲和唱法融合大量的民族音樂特征
一般來說，當代流行音樂習慣以西洋鍵盤樂器、打擊樂器和電子音樂為主，而“中國風”音樂使用傳統的樂器，如二胡、琵琶、竹笛、古箏等，使中國韻味被積極地呈現出來，是一種全新而且獨特的音樂表達。如周杰倫的《東風破》主要運用了二胡;《霍元甲》則主要融入琵琶和大鼓，沉悶而厚重的鼓聲陣陣，表現一代宗師的武學氣概，全曲氣勢十足。林俊杰的《江南》主要運用了簫，簫聲綿綿，流暢抒情，委婉動聽。民族樂器與現代音樂元素巧妙地揉合在一起，恰如其分地表現出江南水鄉的雅致淡然。
除了配樂和編曲之外，很多“中國風”音樂大膽地運用了傳統音樂的演唱方法，如民族唱法、戲曲唱腔等。如陳升的《北京一夜》用老生腔演唱，之后有《霍元甲》中的花旦腔，《紅塵女子》、《以父之名》中的青衣腔，《在梅邊》里的昆曲，陶品的《SUSAN說》則引用了京劇《蘇三起解》中的唱段。《千里之外》兩種音樂形式和唱法的交替使音樂發生了奇妙的化學變化，讓人耳目一新。隨著2009年央視春節聯歡晚會上周杰倫和宋祖英兩種不同音樂形式的巧妙融合，這種“混搭”的音樂形式越來越受到歡迎。
(三)整體風格追求古典意境
在中國傳統藝術中，意境是藝術家創作的重要標準，也是中國古典審美精神的重要體現。王國維在《人間詞話》里說:“氣質，言神韻，不如言境界。有境界，本也。氣質、神韻，末也。有境界而二者隨之矣。意境是中國古典美學的一個重要范疇，中國古典藝術作品無論是詩詞還是曲樂，都講究含蓄、淡泊，追求意境的綿長深遠，含蓄朦朧。
“中國風”音樂無論在歌詞、編曲、唱法、旋律還是MV的拍攝上，都注重使音樂整體上能夠展現出典型的東方古典意境。“中國風”音樂多采用古典詩詞作為題材，情感表達符合“中和”的審美標準。同時，曲調的悠揚和諧也體現了含蓄蘊藉、溫柔敦厚的儒家美學觀。除此之外，MV的拍攝也體現了情景交融、虛實相生、含蓄蘊藉的古典美學要求。在中國古代藝術中，存在著諸如“落花”、“大雁”、“春”、“暮”等具有特定含義的意象，在美學的層面上，它們是一些具有相對穩定性的獨立的藝術符號。美國符號論美學家蘇珊·朗格將審美意象作為“情感符號”和“藝術幻象”來考察。她說:“藝術品作為一個整體來說，就是情感的意象，對于這種意象，我們可以稱之為藝術符號。朗格從藝術是表現人類情感的符號出發，認為藝術意象也是一種情感的符號。在“中國風”的音樂中，充滿了類似的傳統意象，如周杰倫的《青花瓷》，與其說是一首歌，不如說是一出煙雨朦朧的江南水墨山水，水云萌動之間依稀可見伊人白衣素袂、群帶紛飛。“煙雨”、“青花”、“素胚”、“芭蕉”、“門環”等古典意象配上悠揚的曲調和水墨風格的唯美的MV，組合成了獨特的意境。這種欲說還休、借景抒情的表達方式正是符合了“含而不露”這一中國傳統的審美要求。
二、“中國風”音樂背后的古典審美精神和民族文化心理積淀
所謂審美精神是指一個民族審美文化所獨自具有的內在審美氣質和性格，它是構成一個民族的審美觀念、審美意識、藝術態度的核心因素，屬于一個民族文化比較深沉的東西，與一個民族的哲學精神相一致。審美精神一旦形成便會融合在民族文化心理結構中，長期地影響著民族文化、藝術及審美的發展。中國古典審美精神是在中國多民族、多元文化的不斷沖突與融合以及以儒、釋、道為核心的哲學精神中逐漸生成、建構出來的。音樂學者林華先生就曾在其論著中提到:“在我們的審美個性中，既有來源于人類共有的審美經驗積淀成份，同時又有受到民族審美意識影響的成份……”。
在中國傳統審美精神中，“天人合一”的觀念是其核心的哲學基礎。這種“天人合一”的哲學觀促使中國古典藝術強調“道”、“氣”貫穿的生命精神和博大精深的宇宙意識，注重直觀感悟的生命體驗，同時還追求“內在超越”的理想價值。生命精神和宇宙意識構成了中國藝術審美精神的內在特質。中國藝術所注重的不是孤立的個體生命和對象，而是生命的整體感、流動感和蓬勃的生命力，這種審美精神導致中國古典審美重神韻、氣韻、氣勢、氣脈、氣象和意境等，也就是重生命精神，要求表現宇宙無限的生機活力。這種審美精神必然會影響中國人的審美實踐。盡管中國的流行音樂是以西方音樂形式為主流，但這種根植于民族心理的審美精神要求也呼喚符合中國人審美特點的音樂形式出現，而“中國風”音樂正是符合了中國人內在的審美要求。
同時，中國人長久以來受儒、道、佛思想的影響，其中，禮義廉恥、中庸之道、重親情、尊倫理等也在一定程度上影響了藝術中的情感表達，由此產生的審美方式使人們在潛意識當中鐘情于寫意的古典歌詞，傾心于傳統的民間樂器，醉心于含蓄、內斂的情感等等。在欣賞“中國風”流行音樂時，這種對傳統文化的“懷舊”情懷，使聽眾很容易就和音樂產生情感上的共鳴。
三、“中國風”音樂帶來的反思
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2012年，西方音樂史研究論文主要集中于巴羅克時期以前的早期音樂上，代表論文包括余志剛《中世紀音樂教學漫議》、姚亞平《歐洲早期音樂傳統與20 世紀現代作曲觀念》、伍維曦《與中世紀晚期多聲部彌撒套曲的體裁特性》、周耀群《關于“文藝復興時期音樂”的兩部斷代史的比較》等。這些論文從各位學者的獨立研究角度出發，對西方音樂早期歷史的不同細節開展研究和思考，試圖在理論闡述中深化對音樂史局部細節和音樂歷史觀念形成的認知，進一步喚起人們對古今歷史比較和創作、教育問題的重視。為了迎接即將到來的德國作曲家理查德?瓦格納誕辰200周年紀念，瓦格納研究論文亦成為2012年我國西方音樂史研究的重點，代表論文包括：劉經樹《“清楚變化了的音樂創造”――瓦格納的“音樂戲劇”構想》和楊九華《“”的闡釋 ――再論瓦格納樂劇中的婚姻倫理觀》。另外，對于經典音樂的審美闡釋和音樂流派研究的代表論文可舉鄒彥《貝多芬（Op.31-2）的標題性內涵》和劉瑾《審美困境與現性重建：對新浪漫主義音樂產生及意義的美學思考》。
在中國古代音樂史領域，學者們將目光紛紛投向中國與境外音樂交流史，代表文章包括宮宏宇《基督教傳教士與晚清中國的盲人音樂教育――以安格妮絲?郭士立、穆瑞為例》、陳應時《唐傳日本調名曲名考》、鄭祖襄《談楊蔭瀏對田邊尚雄“中國音樂外來說”的批評》、葉鍵、黃敏學《18世紀西方傳教士的中國音樂研究及其學術史影響》，以及王小盾的系列論文《域外漢文音樂文獻述要》。古代音樂史研究的另一個范疇集中于音樂考古，代表論文有：方建軍《鐘離國編鐘編研究》、《音樂考古學的六個課題》、王子初《我們的編鐘考古》、武家璧《曾侯乙墓漆畫“雜懸”圖及其實驗心理學解釋》。在近現代音樂史領域，2012年的研究論文主要是對近現代音樂家的學術紀念，論文包括：楊和平《論李凌的音樂美學思想》、俞玉姿《略談老志誠先生的音樂思想――紀念老志誠百年誕辰學術研討會上的發言》、居其宏《我國新音樂發展戰略的設計師和先行者――蕭友梅音樂思想與創作教育實踐的跨世紀回望》等。中央音樂學院發起的“國家音樂史”研究工作目前主要集中在中國近現代音樂史領域。2012年集中發表的論文包括：呂鈺秀《他者對于一個國家音樂想象的建構藍本》、李淑琴《從研究的政治化走向學術化――對中國近現代音樂史學科建設的回顧與思考》、蒲方《中國近現代音樂歷史分期的特殊性及復雜性》等。
2012年，我國音樂美學領域的研究論文首先以評述于潤洋教授美學研究貢獻為主導，代表文章包括葉松榮《論于潤洋西方音樂史學研究中的理論建構》、何寬釗《論于潤洋學術研究中的歷史意識》、柯揚《承先賢之法，啟后生之思――論于潤洋對卓菲亞?麗薩音樂美學思想的繼承與發展》等。其他論文則是不同學者對音樂美學理論、趨勢與應用問題的獨立闡發，例如韓鍾恩《判斷力批判：置疑音樂美學學科語言并及音樂學寫作范式》、劉研《審美經驗的復興――理查德?舒斯特曼的實用主義美學觀與通俗音樂》、張晶晶《對阿多諾中的一個核心概念“素材”的梳理與解讀》等。
二、音樂學專業教育教學
2012年，我國的音樂學專業教育教學向著精英化、集約化和實力化的方向努力邁進。在專業音樂院校和綜合大學音樂學院、音樂系的主導下，音樂學專業教學已經形成比較成熟的發展體系。在不同層次音樂學專業招生方面，各個院校和科研機構結合音樂理論研究的現實需求，招生數量略有緊縮，考試難度相對增加。如此舉措，不僅維護了音樂學專業精英化教育的傳統，同時也對當代大學生的理論基礎素質提出了更高要求。在不同層次的學術人才培養上，各個院校特別重視理論培養和藝術實踐的結合，鼓勵學生將研究重心立足當代、返觀歷史，積極參與音樂田野調查和音樂表演活動，在親身實踐中鍛煉學生的研究能力。各個院校給予學生相對寬松的課程安排，不但要求學生學好音樂理論知識，還不斷啟發學生對其他藝術領域和更廣泛的社會文化產生興趣，獲得更為廣博的文化見識，充分增強學生的學術實力。音樂院校采取各種手段對學生的學習進度加以限定和考核，通過論文評比、音樂論壇、大師講座、理論訪談等多種形式鼓勵學生集中精力投入學習，增長自身的學術本領。學生的畢業論文答辯活動日益規范，答辯通過標準相對嚴格，有效防止學生論文品質和學術素質的整體下滑。
除了各個音樂院校和科研機構的日常教學工作外，音樂學界在2012年還積極開展音樂學教學研討、論文評獎和專題講座活動，有力推動音樂學專業教學工作，促進院校間交流合作，增加校園學術氛圍。2012年2月，第四屆中國音樂評論“學會獎”評選征文活動正式展開。活動向海內外華人征集自2009年正式發表的音樂評論參選，并在中國音樂評論學會第五屆年會召開之際集中評審。2012年3月12日至15日，中央音樂學院舉辦了“中國音樂史學術交流系列專題1：國家音樂史”活動。斯洛伐克音樂學者奧斯卡?艾謝克應邀參加活動，共同探討“國家音樂史”寫作的方法手段和內容選擇。2012年10月，上海音樂學院先后組織了“第九屆（2012）錢仁康音樂學術講壇”和“音樂學學術論壇”，以此作為上海音樂學院音樂學系建系30周年的系列活動之一。2012年11月至12月，南京藝術學院百年校慶舉辦系列學術講座，邀請資深專家舉辦專題講座。
三、音樂學學術會議
2012年，我國音樂學界各類學術會議相繼舉辦，有力推動了同領域專家學者的學術交流，促進專業學術會議向著常態化、正規化的方向邁進。在民族音樂學領域，2012年6月29日，由上海高校音樂人類學E-研究院承辦的“當代社會中的傳統音樂國際研討會”在上海音樂學院舉行。與會專家以音樂同社會政治、變革的關系為主題，著重討論當代語境下的民族音樂學研究視角與方法。2012年7月12至15日，中國傳統音樂學會第十七屆年會在西安音樂學院召開。會議提交論文摘要240余篇，內容涉及黃河流域音樂文化研究、非物質文化遺產保護與傳承、音樂生態研究、音樂與科技、跨界族群音樂文化等研究領域，呈現出學科交叉、研究跨界的學科發展趨勢。2012年7月18日至25日，中國少數民族音樂學會第十三屆年會在新疆師范大學召開。會議圍繞中國少數民族音樂研究、中國跨界民族音樂文化研究、高等音樂藝術院校少數民族音樂教學改革研究三個方面議題展開探討，充分展示了我國近年在少數民族音樂研究成果。2012年10月30日，國際音理會亞洲大洋洲地區音樂學會首屆學術研討會暨亞太民族音樂學會第十七屆國際學術研討會、泰山學術論壇在山東濟南舉行。來自亞太地區的音樂學家圍繞亞洲、大洋洲、太平洋地區民族之間的音樂傳播與交流、構建適合于亞太地區各國的傳統音樂理論體系等議題做主題發言。
在西方音樂史研究領域，2012年6月21至22日，上海音樂學院舉辦“2012?上海音樂學院?瓦格納國際學術論壇”。 論壇聚合國內最優秀的瓦格納研究學者同國際瓦格納研究實現對話，提升我國的音樂學研究水平，增進與西方學術界相關領域的交流與合作。由中國西方音樂學會主辦，四川音樂學院承辦的“2012西方音樂學會青年學者論壇”于9月21日在四川音樂學院舉行。 會議由九位西方音樂史專家對11名青年學子的課題發言進行交流點評，旨在促進青年學者的科研工作和學術交流，積極培養理論新秀。在中國音樂史研究領域，9月24至26日，中國音樂史學會第十二屆年會暨第七屆全國高校學生中國音樂史論文評選“徐小平獎”頒獎大會在沈陽音樂學院舉行。會議對“契丹音樂史”、“音樂上海學研究”等新課題給予充分重視，并對中國音樂史新近研究成果加以展示。在音樂美學領域，2012年11月30日至12月1日，“前沿與對話――全國中青年音樂理論家論壇”在華南師范大學舉辦。論壇邀請全國50名中青年音樂理論家參會，論題涉及多個學科，促進音樂學學科間的相互對話和啟迪。2012年12月2日，“2012年中國音樂美學學會筆會”在華南師范大學音樂學院舉行。筆會圍繞 “音樂美學學科資源考掘” 和 “身體在音樂審美活動中的作用” 兩大主題進行研討。
四、音樂學紀念與交流活動
2012年，中國音樂學界舉行了多項學術紀念和交流活動，對于音樂學院系建設和老一輩音樂理論家的學術貢獻加以總結，并對中國音樂學的對外推介與交流做出貢獻。2012年11月26至27日，上海音樂學院音樂學系迎來了建系30周年紀念。系列紀念活動由學術研討會、紀念座談會、學術講堂系列、學術成果展、學生音樂會等活動組成。全系教師還集體出版了學術研究文集，對上海音樂學院音樂學系的科研成果加以展示。2012年5月12日，中央音樂學院舉辦“馬思聰百年誕辰紀念活動”。 其中的學術研討會對馬思聰的學術造詣、音樂創作、教育教學和學術精神展開深入的討論和研究。2012年9月15至16日，中央音樂學院隆重舉辦“春雨潤物 學海成洋――于潤洋八十春秋學術研討會”。近30位來自全國各地的專家學者和同事學生圍繞他的學術品格、理論特色和歷史貢獻進行了深入研討。2012年，恰逢中央音樂學院資深音樂學教授張洪島先生百年壽辰。中央音樂學院音樂學系對張洪島教授的學術成就和教學工作進行重點回顧。2012年9月27日，四川音樂學院舉行“紀念王光祈先生120周年誕辰學術研討會”。全國100多位專家學者參加學術研討會，對王光祈作為中國音樂學開拓者的歷史地位和學術成就進行回顧、梳理和闡釋。在對外學術交流方面， 2012年12月22日至26日，陳應時、方建軍、李玫等中國學者應邀參加第七屆東亞律學大會并宣讀論文。此次學術交流與研討活動，引起東亞音樂研究機構對中國律學學者研究成果的密切關注。
篇9
什么是中國風？學術界并沒有作出一個嚴格的界定，影響較大的是黃曉亮在互聯網上對中國風的定義。在他看來，中國風就是三古三新結合的中國獨特樂種。三古三新指的是古辭賦、古文化、古旋律和新唱法、新編曲、新概念。這類中國風歌曲的歌詞具有中國文化內涵，使用新派唱法和編曲技巧烘托歌曲氛圍，歌曲以懷舊的中國背景與現在節奏的結合，產生含蓄、憂愁、幽雅、輕快等歌曲風格。其代表歌曲有《東風破》《發如雪》等。
華語樂壇歌手中，最早標明自己中國風路線的是臺灣歌手周杰倫。2003年7月，周杰倫在《葉惠美》專集中推出了一首很顯眼的作品《東風破》，它是第一首完完全全符合三古三新六大標準的中國風歌曲。歌曲全方位地帶出古色古香的中國味道，周杰倫的歌聲奠定了中國風歌曲的基本唱法。隨著這種曲風的不斷走紅，華語樂壇更多的歌手開始嘗試這種風格，如臺灣歌手陶喆、王力宏，內地歌手后弦等，一股中國風的流行歌曲浪潮開始席卷整個華語樂壇，至今仍在不斷發展。
流行音樂理論視角下的中國風現象解讀
面對華語樂壇的這股中國風流行歌曲浪潮，阿多諾的流行音樂理論提供了一個很好的解讀視角，我們可以圍繞著中國風歌曲的制作特點和歌迷的接受狀況及中國風所起到的社會粘合劑作用，來對此文化現象作一個較為深刻的批判性解讀。
中國風歌曲制作的標準化與偽個性化。在阿多諾看來，流行音樂遵循的是商品生產的邏輯并滲透著資本運作的因素，與嚴肅音樂相比，流行音樂的內部結構呈現出了標準化與偽個性化的特征，事實上，這也是整個文化工業產品的主要特征。標準化是指各種通俗歌曲之間實質上的相似性；虛假的個性化（即偽個性化）是指它們附帶的各種差別。深入探析華語樂壇的中國風歌曲，標準化的特征是非常容易發現的，并且具有一些新的特點。
首先，標準化存在于不同音樂藝人所作中國風歌曲當中。中國風歌曲最早的界定是需要具有三古三新，這個界定就為創作中國風歌曲的音樂藝人們制定了標準。不管他們如何創新，三古三新的標準內核是不變的。在周杰倫開創中國風并走紅之后，華語樂壇許多藝人都開始嘗試這種風格，中國風浪潮驟起，以至于業界戲言，要想捧紅一位新人，不需要教他怎么唱歌，只要給他一件古裝，教他背熟幾首唐詩宋詞就綽綽有余了。
其次，標準化還存在于同一個藝人所作的中國風歌曲當中。以中國風的開創者周杰倫為例，周杰倫放言每一張專輯一定要有一首中國風的歌曲，他也確實做到了這一點，從《東風破》到《發如雪》，《千里之外》再到《青花瓷》。每一首中國風十足的歌曲都大受歡迎，然而仔細看看聽聽這些中國風，不難發現這四首中國風在歌詞創作、演唱風格、抒情曲調方面都如出一轍，非常相似。
流行音樂標準化的產生，在阿多諾看來，是商品生產的邏輯并滲透著資本運作的結果，音樂技巧一方面被經濟之手培育起來，另一方面又為資本的再生產服務，長此以往，流行音樂的標準化風格就開始形成，并被后來者競相模仿。以此反觀中國風歌曲的創作浪潮，周杰倫中國風歌曲的專輯一發行銷量就在幾百萬，非常具有市場號召力。如此大的商業利益的驅動，中國風沒有理由不成為一股浪潮。
以上分析中似乎存在矛盾的地方，一方面經濟因素制造了流行音樂的標準化，另一方面標準化的產生又顯然不利于流行音樂的市場發行。其實不然，因為在流行音樂中還存在著一個偽個性化的特征，而偽個性主義意味著在標準化的基礎上賦予文化的大眾生產以自由選擇和開放的市場的光環，傳統的標準化音樂讓他的消費者忘記他們聽到的已經被預先聽過了或者說預先消化了。
在中國風流行歌曲當中，也同樣表現出了偽個性化特征。在對標準化的中國風的開掘中，各個音樂藝人都有獨到之處。比如陶喆在《蘇三說》中令人驚艷的京劇唱腔，比如王力宏不但精準地找出京劇和RB的共通點，如《花田錯》，還結合了昆曲和少數民族音樂的長處，如《在梅邊》《竹林深處》等。而中國風的開創者周杰倫更是將美聲引入到中國風當中，如《千里之外》，真是八仙過海，各顯神通。
在阿多諾看來，這些偽個性化包裝的努力，同樣是經濟因素作用的結果。為了實現商業利潤的最大化，流行音樂的制作必須常新又必須常常相同，即偽個性化與標準化的同時存在。通過阿多諾流行音樂理論的分析，我們大概能夠理解為什么那么多中國風的流行歌曲總是處于躁動不安的創新之中，而又為什么總是那么速朽了。
中國風歌曲接受的精神渙散和聽覺退化。面對文化工業產品，消費者所能采取的姿態只能是消極被動地接受，他們失去了任何抵抗的能力這是阿多諾考察文化工業時所得出的一個著名的結論。而在考察流行音樂的聽眾接受當中，阿多諾認為感受流行樂的過程即一種毫不費力的過程，這一過程中偶有的集中精力就如釋放的煙火般短暫，又把聽者驅逐到了心神渙散的邊界，即聽眾在接受流行音樂時多數是處于精神渙散的狀態。此外，他還指出了聽眾接受標準化音樂過程中的另一特征，聽眾感受音樂的能力將會越來越低，即聽覺退化。
首先，中國風歌曲作為流行歌曲中的一種，聽眾的選擇仍然是以娛樂休閑為目的，精神渙散便難以避免。態度決定行為，正是聽眾本身就只是抱著一種娛樂休閑的態度來聽中國風歌曲，那就很難保證聽眾在欣賞時，都保持精力高度集中的狀態。事實上，中國風歌曲在很多時候已成為了一種背景音樂，如在許多咖啡廳、餐廳、書店甚至超市里都可以聽到中國風歌曲。在這種環境下，聽眾的精神渙散是無法避免的。這與欣賞嚴肅音樂時要在相當安靜的環境中，需要聽眾全身心的投入和精力的高度集中是有很大不同的。
其次，中國風歌曲在樂壇正處于上升趨勢，聽眾尤其是青少年聽眾更熱衷于這種風格的歌曲，長久地沉浸于中國風歌曲，勢必會影響到他們對其他音樂的感受力，即導致聽覺的退化。單以周杰倫為例，周杰倫開創中國風后，人氣急劇上升，無數歌迷表達了對這種風格的肯定，甚至有人認為這是新時代的中國音樂，對之推崇備至。反思一下，中國風是否真能代表中國音樂？這是值得懷疑的。年輕一代對音樂的感受如果僅限于中國風流行曲，對于繼承和發揚中國不同曲風音樂是極其不利的，聽覺的退化不容忽視。
中國風歌曲中懷舊情結的存在社會粘合劑作用。流行音樂從生產方面看是標準化與偽個性化的產品，從接受的層面看又造成了聽眾的精神渙散與聽覺退化，經過這樣的層層鋪墊之后，阿多諾就推出了他那個著名的論斷，即音樂成了一種大型的社會黏合劑，認為通俗音樂它的安慰和凈化作用能夠使人們順從資本主義社會中嚴苛的、不完善的生活現實。
借此理論對中國風流行歌曲何以形成浪潮進行深析，可以發現，其實中國風的勁吹使我們深切地感受到了一種強烈的集體懷舊意識，懷舊是人的一種情感的宣泄，是人基于對現實痛感的彌補和調節，它最終指向和諧統一的美感體驗，是一種審美愉悅。如周杰倫的《青花瓷》對傳統文化符號的巧妙運用及其所傳遞的文化心理，王力宏的《花田錯》將京劇與九種樂器的精巧運用，林俊杰的《曹操》重塑古三國爭雄戰場及梟雄曹操形象等等。
篇10
高拂曉《邁爾音樂美學理論述評》(中央音樂學院)
楊柳成《“危機時代”的自我救贖――勛伯格音樂內涵的人文闡釋》(廣西藝術學院)
二等獎(4篇)
楊民康《藝術切人一隨緣選擇一文化思考――論音樂人類學與藝術人類學的學科視域及研究過程》(中央音樂學院)
魏揚《論金湘琵琶協奏曲“旋律音程向位”的結構力》(華南師范大學)
王安潮《考源大晟樂鐘型態解疑宋代黃鐘律高――評》(安徽師范大學)
馮長春《中國新音樂史的宏大敘事與深度批判――劉靖之著(中國新音樂史論)增訂版讀后》(山東師范大學)
三等獎(6篇)
李濤《中西合璧的現代音樂語言――陳怡的多重結構分析》(上海音樂學院)
施詠《談民族審美心理對中西音樂結構思維差異的影響》(安徽師范大學)
王斯《談譚盾(鬼戲)的人為戲劇化》(上海音樂學院)
魏新民《大樂與天地同和――(神州和樂>傳遞的核心理念》(湛江師范學院)
杜娟《從音美類藝術高考的“熱起”和“降溫”看當今藝術教育的發展》(首都師范大學)
高百堅《傳統箏樂研究要走出“書齋”面向“田野”》(廣東省汕頭市澄海區衛生院)第四屆高校學生音樂書評征文
一等獎(15篇)
蔣聰《留在北歐的那份眷戀與思念――(牛津音樂心理學手冊)》，德國馬丁?路德哈勒維滕堡大學音樂學院博士生；
張D《篳路十載啟山林――評王思琦(中國當代城市流行音樂)》，南京藝術學院音樂學院博士生，指導教師伍國棟；
留生《四易其稿，壯心不已――從汪毓和先生(第三次修訂版)說開去》，廣西藝術學院音樂學院碩士生，指導教師周國文；
楊梅《一部再現實地考察背后故事的著作――評蕭梅著(中國大陸1900―1966：民族音樂學實地考察編年與個案)》，四川音樂學院音樂學系碩士生，指導教師甘紹成；
徐海東《對自律論的批判――評阿倫?瑞德萊(音樂哲學)》，南京藝術學院音樂學院碩士生，指導教師劉承華；
郭星星《今之詞，古之樂?――讀》，北京師范大學藝術與傳媒學院碩士生；
周晶《新時期音樂思潮的開篇之作――讀(改革開放與新時期音樂思潮)》，天津音樂學院碩士生，指導教師明言；
孔續茜《中國古代音樂審美觀的人本主義批判――評葉明春著(中國古代音樂審美觀研究>》，山東師范大學音樂學院碩士生，指導教師馮長春；
杜娟《人物是歷史的一面鏡子――讀(李煥之的音樂生涯及其歷史貢獻)有感》，首都師范大學音樂學院碩士生，指導教師蔡夢；
張斯絮《兩種歷史觀，兩種價值取向――評汪毓和(中國近現代音樂史)第三次修訂版與劉再生(中國近代音樂史簡述)》，中央音樂學院碩士生，指導教師戴嘉枋；
蔣立平《鏡子――讀(美國音樂教育考察報考)》，浙江師范大學音樂學院碩士生，指導教師楊和平；
馮羽《評于潤洋著(悲情肖邦――肖邦音樂中的悲情內涵闡釋)》，南京藝術學院音樂學院本科生，指導教師屠艷；
馮彩媚《新視角下的認知――評(禮崩樂盛：以春秋戰國為中心的禮樂關系研究)》，廣西藝術學院音樂學院本科生，指導教師潘林紫；
鄧穎《一個需要不斷關注并進行學術創新的學科基礎領域――評(李叔同學堂樂歌研究)》，廣西藝術學院音樂學院本科生，指導教師潘林紫；
申小龍《形式美的獨特詮釋――評斯特拉文斯基(音樂詩學六講)》，南京藝術學院音樂學院本科生，指導教師范曉峰。
二等獎(15篇)
趙書峰《千呼萬喚始出來――讀馮光鈺、袁炳昌主編的一書有感》，中央音樂學院博士生；
銀卓瑪《架起神靈與世俗的橋梁――評桑德諾瓦
方偉《互文性?信息?音樂流動――對汪森、余R天的幾點認識》，南京藝術學院碩士生，指導教師馮效剛；
王力博《多元化視角下的音樂傳播學建構――讀汪森、余娘天(音樂傳播學導論――音樂與傳播的互文性建構)一書有感》，西安音樂學院碩士生，指導教師李寶杰；
董鄭峰《博引諸家著述成果真實再現歷史原貌――讀劉再生(中國近代音樂史簡述)有感》，天津音樂學院碩士生，指導教師王建欣；
郭圣t《緊跟時代步伐的音樂社會學著作――研讀曾遂今先生不同時期的兩部相關著作有感》，青島大學音樂學院碩士生，指導教師陳荃有；
馬瑩瑩《華人西樂：音樂文化的碰撞與合流――讀》，廣西藝術學院音樂學院碩士生，指導教師梁晴；
李瑞濤《歷史維度的中國當代流行音樂觀察一讀
李雅寧《別具一格寫信史――劉再生著(中國近代音樂史簡述>讀后》，山東師范大學音樂學院碩士生，指導教師馮長春；
張婧《關注反思探索――讀克爾曼的(沉思音樂――挑戰音樂學)》，四川音樂學院音樂學系碩士生，指導教師甘紹成；
常江濤《海納百川史論交融――評劉再生兼談重寫音樂史》，中國藝術研究院碩士生，指導教師李巖；
劉春秀《學術之光靜靜綻放―評高婷(留日知識分子對日本音樂理念的攝取――明治末期中日文化交流的一個側面>》，廣西藝術學院音樂學院本科生，指導教師潘林紫；
篇11
楊蔭瀏《中國古代音樂史稿》、吉聯抗《嵇康•聲無哀樂論》等著作認為《聲無哀樂論》屬于“自律論”著作。蔡仲德在《“越名教而任自然”――試論嵇康及其“聲無哀樂”的音樂美學思想》中提出:《聲無哀樂論》是中國最有自律論色彩的音樂美學論著。陳曉娟《〈聲無哀樂論〉與自律論》中也提出:“《聲無哀樂論》是他律論”的觀點。胡郁青、劉嘉《嵇康〈聲無哀樂論〉及其音樂美學思想探析》中認為,“嵇康的音樂美學思想本質上是他律的,它其實是嵇康以和官方音樂美學思想相對立為目的,借以進行的帶有某些浪漫氣質的反抗而已。”李曙明《〈老子〉與〈聲無哀樂論〉音樂觀新探》中,認為《聲無哀樂論》既非自律又非他律的“和律”論。
“他律論”是指對于音樂而言,音樂的原理和規則是一種“外來的東西”。就此意義而言,音樂是他律的;“自律論”是指音樂是自成一體的,它不暗示音響之外的東西,而是事物本身,亦即是一種只有從其自身角度被理解的現象。就此意義而言,音樂只相當于其自身。或者說音樂的本質在音響之外,所以,對于音樂而言,音樂的本質就在“外來的東西”之中。李曙明先生在《音心對映論――〈樂記〉“和律論”音樂美學初探》中又提出了“和律論”的思想,就是“音心對映”,即“音”,作為音樂藝術的物質性審美客體要素,自成系統,內存規律;“心”,作為音樂藝術的精神性審美主體要素,自成系統,內存規律。音系統的運動規律是“比音”;心系統的運動規律是“(而)樂”。音、心兩個系統經人體、樂器、空氣等運動的中介,就構成了一個大的有內在聯系的音心對映系統。根據以上各位學者的闡述,我們可以得出:“自律論”就是強調自身內部的關系,而與外物沒有關聯。“他律論”就是音樂與外界事物是有一定的聯系的,音樂體現了內容,而內容則通過音樂形式得以實現。
《聲無哀樂論》到底是“自律論”還是“他律論”呢?筆者認為,它是“自律論”與 “他律論”的相互融合:首先,《聲無哀樂論》有“自律論”的因素。“自律論”強調自身內部的協調,與外界沒有聯系,可以理解為是一種客觀存在。在其文章的首篇,嵇康就提出了“夫天地合德,萬物資生。寒暑代往,五行以成。章為五色,發為五音。音聲之作,其猶臭味在于天地之間,其善與不善,雖遭遇濁亂,其體自若而無變也……”即表明音樂是客觀存在的。嵇康在文章中指出:“聲音自當以善惡為主,則無關于哀樂;哀樂自當以情感而后發,則無系于聲音。”嵇康認為音樂只有好聽不好聽,沒有倫理道德上的好與壞。嵇康又說:“器不假妙瞽而良,a不因慧心而調。然則心之與聲,明為二物。二物之誠然,則求情者不留觀于行貌……”,嵇康把“聲音”與“情感”之間劃分為兩種不相聯系的事物,那就強調了音樂只是源自自然界的,是不以人的意志為轉移的,是完全客觀存在的。《聲無哀樂論》中說:“哀樂自當以情感而后發,則無系于聲音”。這即是與“自律論”相聯系的表現之一。
嵇康在其論述中強調了音樂客觀性,同時也指出了音樂與人的情感之間的聯系,并且通過“和”的精神來達到“發滯導情”、引起人的“躁靜”情感體驗。如《聲無哀樂論》中說:“理弦高堂,而歡h并用者,直至和之發滯導情,故令外物所感,得自盡耳”;“至夫哀樂自以事會,先遘于心,但因和聲,以自顯發”;“聲音有大小,故動人有猛靜”,“聲音之體盡于舒疾,情之應聲亦止于躁靜”,“若言平和哀樂正等,則無所先發,故終得躁靜;若有所發,則是有主于內,不為平和也”等等。我們能清楚的感知到嵇康認為音樂只有聲音、音調等音樂內部構成要素之間的統一關系,而沒有人的情感的加入。因此我們能看到,嵇康還認為音樂與外界的聯系是靠“和”來完成的。而“和”又體現了音樂內部各要素的關系。如《聲無哀樂論》中說“心動于和聲,情感于善言”、“言比成詩,聲比成音”。從這點上看,嵇康《聲無哀樂論》注重音樂諸要素內部的協調,是具有“自律論”特點的,這是其與自律論聯系的表現之二。
在《聲無哀樂論》中,他立足于欣賞過程中的聲、情關系來談論音樂的審美主、客體之間的關系問題。從這點可以看出,他的思想并不是陷入“自律論”中,而是具有了“他律論”的特點。嵇康看到了音樂表現的不確定性,如:“夫殊方異俗,歌哭不同。使錯而用之……”、“濁質之飽、首陽之饑、卞和之冤、伯奇之悲、相如之含冤、不贍之怖,千變百態……”,都表達了音樂表現的不確定性,而這種不確定性是由于不同的地域、不同的風俗習慣、不同的感受能力等因素引起的。“哀心藏于內,遇和聲而后發,和聲無象而哀心有主”,說明音樂起到了催化劑的作用,由于聲音的激發才把先存在于人的內心的感情引發外現出來。“至夫哀樂自以事會,先遘于心,但因和聲,以自顯發”等表明哀樂之情的根源不是在于人心,而與人所生活的環境有關,也是對人內心世界的反應。嵇康認為由于人所處的社會地位的不同、審美的感受不同,知識修養的不同,就必然引起欣賞過程中的心理特征、情緒反應的不同。因此他的思想已不再局限于自身內部的協調,而是看到了外部對其的影響了,這就表明其含有“他律論”的特點。《聲無哀樂論》中說:“夫曲用每殊,而情之處變,猶滋味異美,而口輒識之也”,也說明站在欣賞者、作曲者、演奏者的關系上,又會有所變化。如嵇康所說:“且夫《咸池》、《六莖》、《大章》、《韶》、《夏》,此先王之至樂,所以動天地、感鬼神者也,今必云聲音莫不象其體而傳其心……”即強調如果要表達作曲者的創作意圖,就要把這種至和之樂托付于圣賢之人來演奏,只有這樣才能表達和表演出“雅樂”的真、善、美來。這是看到了作曲者、演奏者、欣賞者之間的關系的。那么上述的解釋中,可以認為嵇康看到了與音樂相聯系的外部因素,這也是具有一定的“他律論”性質的。
從以上分析可以看出,從音樂的本質來說,嵇康強調的是自身內部的協調發展,是傾向于“自律學”;但從音樂與人的情感關系中,則又傾向于“他律學”。所以,對于嵇康的《聲無哀樂論》到底屬于“自律論”還是“他律論”,筆者則認為,它的論述中既包含了“自律學”的思想,也包含了“他律學”的思想,對于現今的音樂美學來講,應該把“自律”與“他律”的觀點結合起來考究嵇康的《聲無哀樂論》,才能更加確切的闡述嵇康的音樂美學思想。
參考文獻
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二、深厚的理論積累
先生做學問的另一個重要的基石便是深厚的理論根基。他思維開闊，在晚年總結一生成果時指出音樂史是一門涵蓋面極廣的專業，它包括考古學、歷史學、樂律學、社會學、哲學在內的多方面內容。尤其是在中國，所有的人文社科，幾乎都與音樂緊密相連。他此前利用人文科學――文、史、哲與音樂的聯系，通過系統的論證和分析，開創音樂語言學學科，在《談談未被注意的民間音調》中提到吟誦詩詞的聲調、叫賣的聲調以及方言的語調，認為“語調”應是民間音樂材料的組成因素，也是傳統音樂理論學者需要關注并運用的研究方面。他的這些思考對中國傳統音樂研究有極大的飛躍意義，在一定程度上解決了當時民族音樂學者的難題；當然，先生著有的《中國音樂史綱》和《中國古代音樂史稿》是其平生最重要的代表作，不論是文獻、史料， 還是田野調查、實踐積累；不論是曲例分析、圖例說明還是文字表述，都受到了公認的贊許和欣賞，因此也有了“20世紀以來的一部最全面、內容最豐富的中國古代音樂史著作”這樣的的高度評價，讓后人望塵莫及。同時，先生難能可貴的一點是能清晰地運用唯物史觀來看待歷史具象，將音樂文化歸為意識形態中，站在經濟基礎決定文化意識的態度上考慮問題、解決問題。
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