引論：我們為您整理了13篇古典音樂鋼琴教學范文，供您借鑒以豐富您的創作。它們是您寫作時的寶貴資源，期望它們能夠激發您的創作靈感，讓您的文章更具深度。

篇1

在從教的二十余年中，筆者接觸過的既有剛剛選擇學習鋼琴的4～5周歲的學齡前兒童，也有已經結束啟蒙課程轉入正規學習的小琴童；在教學的過程中慢慢發現，直白的對單一作品或作曲家的背景進行解讀或是試圖通過樂曲曲式、強弱的變化、速度的變化等使學生感受作品所要呈現的情感變化，從而引導學生完成演奏，最終的效果都不盡如人意。因此，如何在少兒鋼琴教學過程中讓這些年齡較小的琴童可以更直觀、更有效地感受這些富有歷史文化底蘊的歐洲古典音樂作品、了解作品中所表達的情感，成了在少兒鋼琴教學中不斷探索的新課題。通過不斷地嘗試，總結出了一些比較有效的方法以及情感培養過程中應該著重的方向，主要概括為以下三個方面。

第一，培養孩子對新事物的認知能力。國內的琴童從小接受的便是傳統的中式教育，而鋼琴這種傳自于歐洲的樂器，其演奏的精髓是對歐洲古典音樂的完美闡釋。歐洲古典音樂作為歐洲文化的結晶，其本身帶有厚重的歷史文化底蘊和鮮明的時代特點。每一首音樂作品的創作，既是作曲家個人情感的宣泄，同時也是當時時代背景下意識形態的縮影；而作為學齡前的小琴童，是不具備把握這種情感的能力的。所以，我們最初要做的，只是引導孩子們可以本能地、真實的反映出自己聽到作品時產生的情感。

許多從事少兒啟蒙鋼琴教學的同事都喜歡用生動活潑的語言來引導小學員學習演奏，擬聲詞和意境營造是老師們常用的兩種方法；這種以語言形式誘導學生的方法在教學初期還是可以達到一些效果的，但卻仍有一些弊端。

學生接受的往往是成人思維下的情感認知而并非自身對接觸音樂作品時的第一感受。即便是第一次接觸音樂作品的孩子也會對作品本身產生自己的情感，最直接的回答便是“好聽”或是“不好聽”。在這個階段的教學過程中，我們需要做的其實并非是讓孩子真正懂得作品所表達意境或是主題，只需要讓他們學會在欣賞作品后用語言表達自己最直觀的感受。

筆者曾與同事分享過自己赴歐洲比賽時在國外一家少兒鋼琴培訓中心的所見，偌大的教室中放著五顏六色的顏料，老師在演奏作品的同時讓孩子用色彩在地上涂鴉，孩子們用不同的色彩表現自己在聽到音樂時的第一感受，這種更直接的傳達感受的方式，讓他們感覺耳目一新。我們相信，孩子們對事物的認知和感受能力，正是在這種直截了當的表達方式中樹立并不斷得到提升的；而涂鴉的過程正是一種對自身情感的宣泄，學員們已經在這種看似玩鬧的過程中學會與音樂作品同步展示情感。

第二，學會欣賞、注重量的積累。在經歷了最初的以培養孩子的認知能力為目的的官能欣賞過程后，我們需要的便是循序漸進的引導學生學會情感欣賞。情感欣賞是古典音樂欣賞中非常重要的一環。對作品時代背景的分析以及對作曲家的深入了解，是情感欣賞的前提；在學員充分了解這些信息后，他們便已經對作品所要表達的情感有了一定的了解和認識，之后再對作品呈現出的調式、曲式、節奏、速度、力度、音色加以系統分析，我們便可以引導學生將抽象的情感具體到每一種演奏形式。

在這個階段的學習過程中，歐洲音樂史的貫穿學習將會起到至關重要的作用。不要懷疑小學員能否真正了解歷史，因為他們要做的只是了解，而并非感同身受。任何情感的產生都需要一個時間的沉淀，當我們像講故事般將歐洲音樂的發展史娓娓道來時，這些他們聽到的故事將伴隨著他們的成長一同沉淀，最終形成他們對歐洲音樂文化獨有的認識，這是一個漫長的過程，也是孩子學習鋼琴中情感培養至關重要的一環。

此外，對音樂作品的賞析同樣需要量的積累。現如今的教育模式下，孩子很難接觸到與自己當下技術難度不相匹配的音樂作品，但是我們不妨想想，欣賞，并非要求他們掌握。就像我們從小給孩子們講睡前童話一般，所有的童話故事又與孩子當下的生活有什么關聯呢？所以不要讓“聽不懂”成為他們欣賞古典音樂的絆腳石，因為我們真正應該關注的，是孩子對音樂本身是否會產生情感而并非情感的正確與否。我們需要培養的是一個對音樂作品飽含深情地演奏者，并非預先編排好程序的機器人。

篇2

二、選擇精美的視頻吸引學生的眼球

雖然音樂是聲音的藝術，但久了聽覺會疲勞，從而影響教學效果。因此，可以考慮選擇合適的視頻進行教學，如在介紹鋼琴詩人肖邦時，我先播放了馬克?西姆演奏的《c小調練習曲》視頻，變幻的燈光、演奏家憂郁的眼神、帥氣的表情頓時吸引了學生，當學生興趣盎然地欣賞完這首作品后，我及時地提出問題：請大家談談對這首作品的理解。學生的解釋五花八門：有的說“像是在慶祝一場勝利”，有的說“曲子的情緒比較嗨”，還有的說“這是一首現代風格的作品，抒發的是年輕人苦悶復雜的心情”……我都一一給予分析、解釋，學生非常好奇，急于想知道作品的相關信息，當他們“想要學”的時候，教學將進行得非常順利。

三、利用明星效應引起學生的共鳴

現在的高中生都非常喜歡明星，只要是他們崇拜的明星的作品照單全收。在欣賞浪漫樂派作品時，我先播放周杰倫的MV《琴傷》，班上氣氛頓時非常活躍。在這首歌里，柴可夫斯基《六月―船歌》的主題旋律成了主線，學生立刻被那一縷淡淡的安然與悵然糾合的味道所吸引，樂曲始終徜徉在似有也無的景象和情緒之中，而當間奏出現的時候全班嘩然，因為間奏恰恰是前面課上介紹過的莫扎特的《土耳其進行曲》旋律。接下來再讓學生欣賞鋼琴曲《六月―船歌》，這樣，學生能夠對浪漫派的音樂特點產生自發的興趣。

四、借助影視情節可以引起更多關注

影視藝術是學生特別喜歡的藝術形式，有些劇目中在古典音樂的引用方面與劇情、主人公的表演、畫面的處理等也非常巧妙，給人留下深刻的印象。利用這個特點，在進行古典音樂教學時，我曾做過這樣的嘗試，同一首作品可以選擇不同的切入點：在介紹浪漫派作曲家――鋼琴詩人肖邦時，我嘗試了不同的導入方法：請同學們觀看周杰倫導演并主演的影片《不能說的秘密》中“斗琴”片段，優美的旋律、嫻熟的演奏技藝立刻引起了學生的轟動，“斗”字同時也解釋了浪漫派的風格特點之一：炫技性；播放韓國影片《愛的階梯》結尾男主角在海邊彈奏肖邦的《第一鋼琴協奏曲》；播放《一曲難忘》中肖邦剛到巴黎時演奏的《波蘭舞曲》；同樣是浪漫派作品的柴可夫斯基的《六月―船歌》則可以選擇韓國電影《雛菊》中的片段，即殺手的角色配樂，《船歌》的旋律準確地刻畫出殺手的性格和真實的內心世界：它放縱著聽者的神思自由地游移于琴聲勾勒的無限空間，喚起了他心底深藏已久的的莫名默契，觸動了被歲月逐漸風蝕的那根心弦。此處也很好地解釋了浪漫樂派的另一風格特點：強調個人主觀情緒的表現；在學習古典樂派時，奠基人海頓的《小步舞曲》可以從韓劇《來自星星的你》切入，這也是在我國收視率很高的電視劇，劇中有很多段落的配樂都來自海頓的《小步舞曲》和貝多芬的 《致愛麗絲》；學生很樂于接受這樣的欣賞方式。另外，名人傳記的電影也是課堂上經常涉及的內容，《鋼琴家》《閃亮的風采》《她比煙花寂寞》《貝多芬住在樓上》等都大量地使用名曲，只要選擇和運用恰當都將成為課堂的亮點，給學生留下深刻的印象。

五、選擇不同的演奏形式增強學生對作品的興趣

篇3

我個人認為肖邦的音樂能溫暖我們的心靈。肖邦讓人聯想到最多的就是詩情畫意，他也是最擅長用最細膩的手法表達情感的一位作曲家。肖邦作品的旋律性完全掌控在他的作品里面。他的音樂非常灑脫、優美、柔情，但最具魅力的一點是他把愛滲透到了藝術里面。無論你是否了解古典音樂，你都會被他的作品感動。我覺得肖邦具有濃郁的東方情懷，東歐的心，西方的肢體。肖邦不僅有柔情似水的一面，也有激情四射的一面。此外，雖然肖邦、李斯特、拉赫瑪尼諾夫都對鋼琴的性能有著別人無法企及的洞察力，但肖邦是唯一一個不寫交響曲就可以躋身大作曲家行列的人。他為鋼琴這件樂器本身的發展做出了不可磨滅的貢獻。

您在五歲時就演奏了肖邦的《小狗圓舞曲》。當您在五歲和三十歲演奏《小狗圓舞曲》時，在心態上肯定會有非常大的差別，但我想知道，在純技巧方面是否也有差異？

五歲時在技巧上還會比較吃力，十歲時完全能夠掌握，但現在經過這么多年我在技巧的表達方式上會呈現更多元的形態。因為把肖邦的作品演奏得很動聽并不難，但在動聽背后是否能動人，情感的豐富就需要去錘煉。比如小時候彈肖邦時你只能體會到他旋律的優美，現在則會感覺到旋律背后所潛藏的酸甜苦辣的情感。

您第一次接觸肖邦練習曲是在什么時候？

我十三歲的時候在一次音樂會中演奏了肖邦全套的鋼琴練習曲。我練習的第一首肖邦練習曲是《黑鍵練習曲》，這首練習曲可以說是我小時候練習最多的一首，因為演奏鋼琴的黑鍵時你的手必須立起來彈，如果手立不好就很容易彈錯音，有點類似踩高蹺的感覺。我覺得小時候練習《黑鍵練習曲》非常有用，非常鍛煉手型。我很期待日后有機會錄制這首作品。

在學琴生涯和演奏生涯中肖邦練習曲分別對您有何不同的影響？

小的時候，練習肖邦練習曲是一種技巧的基礎訓練以及音樂感覺的培養。從技巧層面講，在掌握肖邦練習曲之后確實會讓你的技巧非常扎實。他的二十四首練習曲每一首都有不一樣的技術練習：Op.10的第一首練琶音，第二首練右手的四五指，第三首練抒情性與連音的技巧，第四首練敏捷性，第五首是技術性練習，第六首練左手輕音控制力，第七首練三度和六度之間的跨越，第八首練輕巧度，第九首練樂句的力度增長，第十首練向下的連音技巧，第十一首練琶音，第十二首“革命”練左手；Op.25的第一首練平衡度，第二首練優美的三連音以及六連音對三連音的技巧，第三首練斷句在音樂間走動的線條，第四首練左手跳躍和往上用力的斷音，第五首練幽默感，第六首練雙音，第七首練左手歌唱右手伴奏，第八首練六度雙音，第九首練連音加斷奏以及右手對鍵盤低音密度的掌握，輕音里跳音的控制，第十首練八度，這首曲子特意增加了一段抒情元素，為了能讓手休息一下，為接下來強度比較大的第十一和十二首沖刺階段進行準備。由此可見肖邦的練習曲針對技巧練習安排得非常巧妙。肖邦的練習曲讓我在學生時代積累下扎實的演奏技巧，隨著年齡的不斷增長，通過學習肖邦的其他作品以及學斯特、舒曼、門德爾松等作曲家的音樂都在不同程度上加深了我對肖邦的理解。我認為如果一位鋼琴家沒有風格多樣的曲目積累，僅僅是“就事論事兒”的演奏，是不可能成為大師的。

通常情況下，練習曲這種體裁相對都比較枯燥，而肖邦的練習曲卻十分具有詩情畫意，這點您如何評價？

全世界有這樣幾位作曲家的練習曲都很經典，他們為演奏者提供了全方位的練習——肖邦、李斯特、拉赫瑪尼諾夫、斯克里亞賓、德彪西。其中肖邦的練習曲憑借其優美的旋律性無疑是最廣為人知、影響力最大的。肖邦本身就是一個追求旋律歌唱性的作曲家，他的所有作品都非常具有歌唱性。但是我認為Op.25里面的第十一首更偏重于技術性，還有《大海》、以及Op.10中的第一首，這三首是肖邦練習曲中純粹技術訓練的典范，其他練習曲都不是純粹型練習曲。

也就是說肖邦在創作練習曲時可能并沒有完全把純技巧放在第一位？

我猜測他在創作第一首練習曲時可能是抱著純粹練習技巧的目的，后來逐漸增加了練習曲的歌唱性。

肖邦的練習曲曾多次被改編為跨界音樂，包括卡雷拉斯在內的很多藝術家都重新演釋過不同版本的詮釋，您是否也有過類似的嘗試？

我們這次在這張唱片的附贈曲目中就將練習曲《離別》改編為聲樂版本。我覺得非常動聽，讓大家有了不同的音樂感覺。這種跨界的改編手法非常奇妙，我并不排斥。

在肖邦的全部作品中，鋼琴作品占到99%，您是否認為比起其他的作曲家來，肖邦的創作才華相對“狹窄”？

毫無疑問，肖邦是一個鍵盤天才。他的音樂早已超越了一般意義上的鋼琴作品。鋼琴作為一種鍵盤樂器最難的就是如何通過合理的技術手段去表達弓弦樂器所擅長的抒情性，大部分作曲家并不能真正攻克這道難題，但肖邦具備這種超強的能力。從這個意義上講，正因為肖邦作品創作體裁的相對“狹窄”才大大推動了鋼琴藝術的發展。他的鋼琴音樂是任何一位鋼琴演奏家的必需品。

對正在學習肖邦練習曲的琴童們，您有哪些建議？

我建議大家一定要有對比地去練習這套曲目，比如先練一首快的，再練一首慢的，這可以稱為一種對比性練法。另外，一定要徹底掌握車爾尼練習曲以后再去學習肖邦練習曲，不要急于求成。練習的過程中一定要慢練，先單手練，再一起練。不要盲目地練習，要先徹底攻克每首作品中的技術難點。一定要先掌握技術，再逐步加深其中藝術性的元素，最不容易的就是把練習曲演奏“清楚”。

您作為一個天才型的鋼琴家，在學習掌握鋼琴技巧時，更多依賴的是理性還是感性？

每位鋼琴家都會有各自的思維方式。我自己認為理性與感性要在不同時刻都發揮作用。理性的控制肯定是利大于弊，因為你要理性地去思考問題出在哪里，然后發現問題，再去解決問題。作為我個人來講，我小的時候在學習重跳音時感覺比較難掌握，這項技巧的學習過程需要投入更多的精力。比較輕的速度對我來講容易一些。和弦和音階必須練，有些人彈八度本身就好，這得益于他們先天的良好機能，但是十六分音符的快速演奏是可以通過刻苦訓練掌握的。還有的演奏家遇到越難的作品越亢奮，會輕易攻克技術難點，有的則無法逾越，這與他們各自的心理素質也有很大關系，但我覺得總體來講純技巧都可以通過刻苦訓練去掌握。

在選擇唱片曲目時，您個人的意見能占到多大比重？

以這張唱片為例，所有的曲目都是由我來選擇的，雖然也會和唱片公司的工作人員進行一些會議溝通，但是我對自己的唱片錄音曲目選擇擁有絕對的控制權。

除了傳統曲目以外，你會去選擇一些相對現代派的鋼琴作品嗎？

一定會。我對近現代的作品非常感興趣，目前也正在籌備一些相關的作品錄音，因為保密原因我暫時不方便透露具體是哪位作曲家。我覺得開拓曲目是每一位鋼琴演奏家的義務，鋼琴家不能只錄制一些在商業方面有銷量保證的作品，還要引導樂迷去欣賞那些很有藝術價值但未必得到足夠重視的音樂。

您是否愿意接受當代作曲家題獻的鋼琴作品？

我非常愿意。但是必須具備幾個前提：我必須和這個作曲家有一定的緣分，他們的藝術價值觀和我自己能夠產生共鳴。這種合作屬于可遇不可求，比如肖斯塔科維奇與小提琴大師奧伊斯特拉赫之間的合作。例行公事的作品題獻與合作毫無價值。我一直在等待合適的作品。

您現在已經是國際古典音樂界一個ICON（偶像）式的人物，我們都生活在互聯網這樣的大背景下，這讓您在推廣古典音樂時會有哪些新想法？

現在的互聯網時代應該介紹更多的古典音樂會以及作品欣賞。利用互聯網來給更多沒有機會了解古典音樂的人去上一些普及古典音樂的課。很多想學習了解古典音樂的人都可以通過互聯網這種媒介去得到他們想了解的信息，我們也會通過這種便捷的科技手段讓古典音樂這門古老的藝術煥發青春。

這幾天在北京的各項活動期間，我看到您會抓緊一切時間去研究作品總譜。作為一位掌握了大量曲目的鋼琴家，同時又需要出量的社會活動，您通常需要多長時間去準備曲目？

我會有所側重地去選擇性練習。演出場次多的曲目可能相對就少練一些，把更多時間放在新準備的曲目中。我一般苦練的曲目并不完全是我正在演出的曲目，如果你的精力都被熟悉的曲目占用，將會非常危險。你今天新積累的曲目是為了日后的舞臺演出，今天的藝術積累實際上是依靠昨天的刻苦付出，這是一個良性的循環往復的過程。

作為施坦威鋼琴的專屬鋼琴家，您與頂級鋼琴調音師一定有過很多的共事。您是提出要求期待他們來實現，還是也會考慮調音師的意見？

通常調音師主要是聽演奏家的意見，因為他們事先都會和演奏家進行充分的溝通，了解他們的需求。這一般都不會太費勁，因為音樂會選用的鋼琴都是頂級鋼琴，而且他們都具備很高超的調音技巧。但是要想讓每臺鋼琴都達到統一的要求，也并不輕松，因為每臺鋼琴的保養環境并不統一。如果作為演奏琴，必須每周都要進行專業調音，使它始終保持在一個良好的狀態。日常維護非常重要。

您曾經說過中國雖然擁有數千萬的琴童，但是優秀的鋼琴老師非常稀缺。您覺得與國外同行相比，中國鋼琴老師最大的差距在哪里？

首先是中國學習鋼琴的琴童基數與優秀教師的數量嚴重失衡。中國鋼琴老師的總體差距主要是對作品的風格掌握相對單一化、技術方法有問題、對音樂作品的意境味道存在著一些地域性的理解限制、教師整體的知識層面相對偏窄等等。這些整體性的問題糾正還需要一定的時間。另外一項較大的差距在于很多國外的鋼琴教育家同時還是一位擁有豐富舞臺演出經驗的鋼琴演奏家，這點至關重要。鋼琴教學是一門要求施教者必須擁有實戰經驗的藝術學科，只有教學者本人具備了豐富的演出經驗，才能對教學曲目產生深刻的理解，紙上談兵式的教學是缺乏靈性的。

我想打個比方：如果一個外國人在國外教京劇，他的教學水平可能永遠達不到國內本土京劇老師的教學水平；同理，您認為中國的鋼琴老師通過努力是否可以達到國外的鋼琴教學水平？

我覺得隨著對外教學交流機會的不斷增加，再經過我們不懈的努力，肯定會逐漸縮小上述差距、最終達到具有國際級的教學水準。但我必須強調一點：鋼琴教學水平的提升，并不等同于我們就能培養出更多世界級的鋼琴演奏家。一位鋼琴家的成功，需要太多綜合因素的累積。

您的“郎朗音樂世界”會引入哪些國際優質鋼琴教學資源？

篇4

力，還可以提高其思維和記憶，有利于人的工作和學習狀態的提升。大學音樂素質教育中主要有古典音樂和流行音樂兩種，但這兩種音樂從不同時期發展而來，具有時代特征的差別，但兩者在本質上具有共性。所以，如何實現大學音樂素質教育中古典音樂跟現代流行音樂的有機結合，對大學音樂教育至關重要，甚至會影響到未來音樂事業的發展。

一、古典音樂和現代流行音樂的特征

李嵐清在《李嵐清音樂筆談》中提到音樂的重要性：“音樂是美育的重要組成部分，不僅可以陶冶人的情操，還可以啟發創意，有利于自我情感的表達和抒發。”喜歡和熱愛音樂，可以完善自身的文化修養。現代音樂主要分為古典音樂和流行音樂兩大門類。古典音樂（classical music）主要是指規模宏大、影響深厚、結構復雜，具有持久性效應的音樂，而現代流行音樂（popular music）主要是指廣為流傳、通俗易懂、活潑的音樂，兩者表面看似存在很大

區別，但其本質上存在一定的通性，所以，并不存在真正的矛盾和

沖突。

現代音樂創造中，可以實現古典音樂和流行音樂的融合，很多古典音樂家將古典的音樂轉變成了現代流行音樂的風格，例如：理查德?克萊德曼采用流行音樂的元素來詮釋和演繹古典的鋼琴曲，在大的時代背景下，采用“應情動人”的方式來表達。所以，現代大學音樂中，如果將現代流行音樂跟古典音樂相結合，發揮出各自的優勢和特色，有利于音樂素質教育水平的提高和發展。實現這兩者的結合，不僅會使古典音樂更“平易近人”，同時也會讓流行音樂的檔次更高，意義更深遠。

二、如何實現古典音樂跟現代流行音樂的有機結合

素質教育需要滿足的要義：面向全體學生；實現學生的德智體美的全面發展和進步；提高學生的積極性和主動性。將素質教育融入現代大學音樂的教學中，首先，要把握好大學音樂課程教育的目標、對象、教學過程、教學方式和教學關系等內容，同時要注重教學環境，構建符合大學音樂素質教育的教學模式；其次，針對大學音樂教學中的情趣性、創造性和開放性的特點來構建符合大學音樂素質教育的教材和課程體系；最后，在大學音樂素質教育中實現課堂跟課外實踐教學。

現代學生對古典音樂的認識存在一定的偏差：對古典音樂的欣賞面比較狹窄；缺乏對古典音樂作品的認識和了解，感覺古典音樂較為古板。所以要想實現古典跟流行的有機結合就需要在培養學生對流行音樂熱愛的基礎上，提高學生的欣賞水平和鑒賞能力，同時要將古典的元素和內容等融入現代流行音樂中。

1.消除學生內心深處對古典音樂的漠視和恐懼

很多時候學生都會聽見一些門鈴、灑水車、手機鈴聲等，但都不曉得這些音樂出自何處，所以可以利用這個機會對那些熟悉的樂曲進行錄音，在錄音中設置古典音樂，認真地分析古典音樂的內涵和價值。例如，在按門鈴時，我們設置一首樂曲《致愛麗絲》，這是貝多芬的鋼琴曲。而當灑水車出現時，設置一首《婚禮交響曲》，不僅可以提高學生的學習積極性，還可以讓音樂學習富有情趣等。只有消除學生心中對古典音樂的認識偏差，才會提高學生學習的動力。

2.積極地探索古典跟流行音樂的有機結合元素

古典音樂中可以添加一些流行性的元素，很多古典音樂已經開始慢慢地現代化了。在古典名曲《命運》中表現了濃厚的感情，貝多芬的作品讓學生感悟到真正的價值所在。但欣賞了理查德改編的《命運》后，才發現《命運》也具有時代特征，于是恍然大悟。所以，要想將古典音樂在大學中普及和推廣，需要激發起學生對古典音樂的熱愛，例如，可以采用精美的電子小提琴古曲和女子十二樂坊的經典名曲，利用現代化的演繹節奏，提高學生的興趣。

3.加強大學音樂素質教育的改革和創新

（1）采用多媒體教學方式來提高學生的學習積極性，讓生動形象的古典音樂特色展現在學生的眼前；（2）優化課堂教學模式，形成多元化的教學方式。

隨著現代音樂的發展和進步，音樂形式逐漸發生了改變，但在大學音樂素質教育中只有優化教學模式，將古典融入現代音樂教學中，才會促進音樂事業的發展，提高素質教育的水平。

參考文獻：

篇5

一課時

教學目標

1，通過欣賞莫扎特的音樂作品，產生主動了解和享受古典音樂的愿望。

2，能夠用多種形式積極參與音樂、體驗音樂，探索音樂要素與音樂情緒間的關系，了解古典樂曲的形式美，了解莫扎特。

3，聽辯并記憶《第四十交響曲》第一樂章主題及《G大調弦樂小夜曲》呈示部主、副部主題的四句旋律。

教學用具

鋼琴、多媒體課件、小黑板

教學重點

用多種形式幫助學生學會欣賞古典音樂

教學難點

讓學生親近并喜歡古典音樂

教學過程

一、激趣導入、拉近距離

教師：同學們好!今天我給大家帶來一首歌曲，讓我們隨著音樂一起來動一動、唱一唱吧!(播放S.H.E的《不想長大》，帶領學生跟著音樂拍手歌唱)

教師：從你們的歌聲中我聽出來今天同學們很開心。你們知道這首歌叫什么名字嗎?

學生：《不想長大》。

教師：對了，正是《不想長大》。看來同學們都喜歡聽流行歌曲是吧?我也經常聽，但平時我還聽一些古典音樂，推薦一首給大家，聽聽看?

二、層層深入、觸摸古典

(播放《第四十交響曲》第一樂章主題片段)

教師：有什么發現?

學生：這首曲子和剛才那首歌曲差不多的。

教師：哦，大家聽出這兩段音樂里有著相同的旋律，耳朵蠻靈的。《不想長大》正是采用了剛才我們聽的這首交響曲的一段主題旋律，那你們知道這首交響曲的作者是誰嗎?

學生：莫扎特。

教師：對，就是莫扎特。知道這是他的哪部作品嗎?

學生：……

教師：不知道?告訴大家，這就是他創作的《第四十交響曲》。昨天我已經請同學們去了解了莫扎特的相關資料，現在我們一起來交流一下。

(學生介紹，教師作適當的補充)

學生：莫扎特是奧地利作曲家，古典主義音樂的重要代表人物。

教師：是的，他與海頓、貝多芬并稱為“維也納古典樂派三杰”。

學生：莫扎特是一位音樂神童。

教師：不錯，他三歲就顯露音樂才華，四歲就公開演奏古鋼琴，五歲就開始作曲。

學生：他的作品很多，作品形式多樣。

教師：他的作品有歌劇、交響曲、協奏曲、鋼琴曲、舞曲、安魂曲、進行曲、室內樂等等，幾乎涉及了所有的音樂體裁。

教師：同學們準備真充分，在對莫扎特有一個簡單的了解之后，讓我們來重溫一下，聽聽如此經典的旋律主要是由哪些樂器來演奏的?

(再次播放《第四十交響曲》第一樂章片段)

學生：大提琴、小提琴、鋼琴、風琴……

教師：有鋼琴、風琴嗎?

(第三次播放《第四十交響曲》第一樂章片段)

學生：沒有。

教師：那主要是哪類樂器呢?

學生：弦樂器。

教師：真厲害!我明白你們聽出來這是管弦樂隊演奏的。那管弦樂隊里還有哪些樂器呢?一起來看看。

(觀看視頻，第四次播放《第四十交響曲》第一樂章主題片段)

教師：你們還注意到了哪些樂器?

學生：圓號、單簧管。

教師：觀察得真仔細!好的音樂就像好的文章一樣，結構非常清晰。我把這段音樂用符號記錄下來了，請跟著我一起來看看。

(隨著音樂板書圖形譜)

教師：看清楚了吧!伸出你的手，我們跟著音樂一起來畫一畫吧!

(播放課件，學生邊聽音樂邊畫圖形譜)

教師：非常棒，我看見有些同學特別投入。大家比較一下，剛才這段旋律在歌曲中的表現力和在管弦樂中的表現力哪個更豐富?

學生：管弦樂。

教師：既然管弦樂的表現力是如此豐富。接下來我將向大家隆重推薦莫扎特另一首同樣經典的《G大調弦樂小夜曲》中的一部分。

三、玩味音樂、感受經典

(一)欣賞《G大調弦樂小夜曲》呈示部

1，主部主題

教師：大家對這段音樂熟悉嗎?印象最深的是哪一句?

學生：熟悉，第一句。

教師：這句旋律帶給你什么感受?

學生：激昂、有力、震撼……

教師：我們一起用“bang”的發音把這段旋律的激昂唱出來。(跟音樂哼唱)

教師：再跟鋼琴唱一唱!(教師用手勢引導學生唱準四度大跳)

教師：你們的聲音聽起來好像不那么激昂?(學生再唱)

教師：聲音不要太響，可以集中一點。(學生唱得好些了)

教師：精神飽滿一點，能不能把力度表現得更強一些?(教師揮拳示范)

教師：看我，是不是更有力了?來，再試試。(學生模仿，邊揮拳邊唱)

教師：很棒，請同學們注意，接下來旋律要發生變化了，聽!

(教師變化節奏彈奏旋律，請學生比較)

教師：怎么樣?還那么強有力嗎?

學生：不那么有力了。

教師：什么原因呢?再對比一下。(教師再次彈奏)

教師：是旋律的高低變化了嗎?

學生：不是。

教師：那是什么變化了?(教師用動作示范節奏)

學生：節奏變化了。

教師：對呀，節奏變了，音的長短也發生了變化。就這么一點小小的變化，感覺就完全兩樣了，可見音樂是多么的神奇啊!

教師：那大家覺得這句旋律是由男生演唱還是女生演唱更能表現出他的情緒和特點?

學生：男生。

教師：男生站起來試試，注意揮出你的拳頭!

教師：不錯，我們再來清唱一遍，請女同學也揮拳表現一下。(男生清唱，女生動作表現)

教師：如此雄壯、華麗的開場白之后，莫扎特又想告訴我們什么呢?

(播放主部主題第二句旋律)

教師：怎么樣了?

學生：柔美，悠揚……

教師：伸出你的手跟我一起把這段音樂的柔和表現一下。(師生隨音樂做動作)

教師：不僅是手，還有整個身體都要參與進來。真棒!開始的節奏有什么特點?

學生：很寬，很長，很舒展，很連貫。(教師帶領學生用“啦”演唱)

教師：(用鋼琴彈奏第二句旋律)中間變得怎么樣了?仔細聽。

學生：輕盈、活潑、跳躍……

教師：大家能從譜子上找一找是哪個小音符讓旋律變得輕盈了嗎?

(請一位同學上前用鼠標指出樂譜中的倚音)

教師：是這個音嗎?真不錯，這個小音符叫什么名字呢?

學生：……

教師：不知道沒關系，告訴大家這是前倚音，正是它讓音樂變得輕盈了。我們來唱一唱。(學生跟鋼琴唱)

教師：再輕盈一點。聽，我又要變了。

教師：怎么樣?我把這個短短的倚音變長了。一起來唱唱。(學生跟琴唱)

教師：一會兒你們將聽到很多維也納古典主義風格的長倚音。

教師：同學們再來感受一下這句旋律的整體形象，請大家特別關注一下結尾部分，非常精致!(再次聆聽第二句旋律)

教師：這句旋律比較長，我們來接龍吧!我先唱兩頭旋律，你們唱中間部分。(師生合作演唱)

教師：很好，我們交換一下吧!(師生互換演唱)

教師：配合很默契，女同學把這一句連起來試試吧。把聲音唱到這兒來(教師手指眉心)。

(接下來教師繼續帶領學生進行演唱接龍，男生跟琴唱第一句，女生接唱第二句。)

教師：男生聲音要集中，不要太響，女生聲音位置再高一點，再唱一遍。

教師：唱得不錯，增加一點難度噢，兩個聲部同時進來，試試看?(學生再唱)

教師：大家很投入，但如果唱的時候能聽見對方的聲音會更好，再試一次吧!

(男女生二部合唱)

2，副部主題

教師：你們的聲音太美了，我們接著往下聽?(聽副部主題第一段，同時，教師用動作表現)

教師：18世紀的紳士和淑女風度是怎么樣表現的?

學生：……

教師：再看一遍，風度是怎樣的?(教師用動作表現)

教師：在座的各位紳士，請起立。非常典雅的拿下你的帽子，背挺直，下巴抬起來。(請學生用動作表現)

教師：這邊的淑女們，拎好你們的裙子，大方點，應該是很高貴的樣子。(請學生用動作表現)

教師：我們連起來試試。紳士們向左轉，淑女們向右轉。面對面，準備好，舞會馬上就要開始啦!(請學生邊聽邊用動作表現)

教師：從容一點，再來一次。(學生再次用動作表現音樂)

教師：大家想想，這么隆重的邀請之后，接下來紳士和淑女會沉浸在什么樣的氛圍當中呢?(播放第四句旋律)

教師：我看見很多同學的臉上都洋溢著開心的笑容，大家有沒有注意到剛才這句旋律中還時不時地有幾個小小的跳動，你感覺到了嗎?請你用拍手告訴大家。(學生聽音樂，在顫音處輕輕跟著節奏拍手)

教師：輕輕地，把你的開心拍給大家。除拍手外，還可以拍哪里表現呢?

(學生拍臉、拍肩……)

教師：非常棒，剛才我們聽的就是《G大調弦樂小夜曲》中最主要的四句旋律，我們再來重溫一下，請同學們拿出手指來記一記。

(播放第一句，有節奏、情緒的示范，然后按順序播放其他三句)

教師：記住了嗎?那我要打亂順序了，閉上眼睛，用手指告訴我。

(教師打亂順序播放四句旋律，請學生聽辨并用手指反饋)

教師：大家真棒!現在我們來完整地聽一遍，請繼續用手指告訴我你聽到的是哪一句?如果這句重復了，就舉起另外一只手告訴我；如果聽到的不是這四句旋律，請握緊拳頭。

(學生完整聆聽，用手指反饋)

教師：你們真了不起!大家有沒有發現，古典音樂的結構是比較嚴謹的，很多樂句都很對稱。(哼唱舉例)由此可見，古典音樂帶給我們的不僅是旋律上的美，還有形式上的美!

(板書：形式美)

(二)欣賞《G大調弦樂小夜曲》展開部

教師：接下來我們再來聽這首樂曲的另外一段，繼續用手指來和我交流吧!

教師：我看到大部分同學的意見是一致的，你們聽出來是第一句和第四句對吧?那它們是一成不變的嗎?

學生：變化的。

教師：是怎樣變化的?

學生：旋律一會兒高，一會兒低。

教師：對了，它們是在不同的調性上發展變化。也許很多同學不理解調性是什么。沒關系，隨著我們學習的慢慢深入，以后你們會漸漸明白的。

(三)完整欣賞

教師：大家剛才能把這些細微的變化聽出來，我很感動。下面就讓我們在音樂家們的精彩演繹中盡情地享受音樂之美吧!老師只有一個要求：聽的時候一定要放松，投入。

(播放視頻)

四、拓展總結、提升立意

教師：有人說，古典音樂是天才的音樂，莫扎特就是一位音樂史上的天才。200多年來，莫扎特和他的音樂一直都是樂壇的神話，他像一顆奇跡般稍縱即逝的流星劃過天際。他用一個天才艱苦的勞動和無窮的智慧留給我們無盡的音樂寶藏。他的音樂家喻戶曉，深深撥動著億萬人的心弦。下面我們來瀏覽一下莫扎特其他的一些經典之作。

(播放莫扎特其他作品片段的視頻)

教師：通過這節課的學習，你對莫扎特和他的音樂有了些什么認識，能談談嗎?

學生：古典音樂很好聽，莫扎特的音樂很典雅，莫扎特很偉大!

教師：大家覺得當代流行歌曲作品和古典音樂作品，哪個會流傳得更久?

學生：古典音樂作品!

篇6

目前在我國師范類高校，鋼琴和聲樂已經普遍成為了每個學生的必修課程。聲樂教育和鋼琴教育在師范類高校已經有了很多好的教學方法和教學理念。但是并非每一位考上大學的考生學的都是鋼琴專業或聲樂專業，還有相當一部分同學自小學習的是小提琴、長笛、薩克斯、小號等樂器，鋼琴和聲樂學習固然重要，但是自己從小學來的專業要更加努力的深造。主修聲樂和鋼琴的同學也要在自己的專業基礎上學習一門器樂來補充自己的音樂特長。

室內樂是一門音樂藝術，更是一門合作的藝術，最早的室內樂是家庭式的小型音樂會，后來我們把小型器樂重奏和小型器樂合奏統稱為室內樂。在高校開展室內樂演奏不僅僅是在教室學習和練習，更要把學習的成果拿出來以音樂沙龍，小型音樂會的形式面向校園廣大師生。這樣既提高了音樂專業學生的舞臺表現能力與合作能力，又讓其他非音樂專業的學生感受了高雅音樂，提高了學生的綜合素質。

與大型交響樂團和大型音樂體裁的音樂作品相比，室內樂是高雅音樂走進大眾的最好形式。這樣一個好的演奏形式，不需要豪華的燈光、專業的音響、專業的舞臺，一間小型房間或教室就可以作為室內樂的演奏廳。但是由于中國音樂教育在室內樂方面的缺失，音樂教育者和音樂學習者對室內樂音樂的不夠重視，人們對室內樂缺乏了解，普遍認為只有登上大舞臺的音樂才是音樂。殊不知室內樂的技術含量極高，音樂又非常親民，可以近距離聆聽完全原汁原味的音樂。

二、如何在師范類高校開展室內樂教育

進入21世紀以來，中國一些一類大學開展了室內樂課程，比如清華大學、中國人民大學、上海大學等，從這些學校開設的經驗來看首先將室內樂納入學生獲得學士學位的必修課程之中，有的院校引進了國外優秀的音樂家，在這個基礎上成立了教師室內樂團，作為室內樂教學的主體和表率，再加入專業水平比較高的學生組成師生室內樂團，這樣由老師帶學生，慢慢再由老生帶新生，把室內樂學習帶動起來。

很多人提到古典音樂，第一個想法就是不懂。記得有一次在中央歌劇院上演普契尼的歌劇《蝴蝶夫人》我邀請朋友一起去看，朋友是音樂外行，幾度推脫說沒聽說過普契尼，也沒聽過歌劇，只看過演唱會，筆者就耐心勸解道：“有很多美食你沒聽說過，也不知道怎么做，但不代表你不能去品嘗美食，享受美食”。音樂也是這樣，古典音樂雖然織體豐富，技術難度很高，但對于聽著來說只用去仔細聆聽就夠了。

在師范類高校開設室內樂課程，首先必須要求所有器樂主修的學生作為必修課參加，器樂選修的可以作為選修課參加。民國教育家陶行知先生有一套非常好的教學理念“教、學、做合一”，用在室內樂教學是在恰當不過了。

（一）“教”的首要條件是選定教材，因材施教，要求教師系統的選擇購置專業書籍、學術文獻、樂譜、音像資料。在實際教學中分兩步：第一，要嚴把學生的專業水平關，一個良好的音樂演奏者可以決定一個曲目演繹的精彩程度，能否完美地詮釋音樂很大程度上看學生自身的專業演奏基礎，這就像寫文章一樣，漢字是基礎，學生的演奏水平也是室內樂演奏的基礎；第二，在室內樂排練的時候，老師要對課上所排練的音樂進行細致的課前準備，認真備課，把音樂的曲式、樂句、演奏風格等都要仔細把握。

（二）最好的“學”就是興趣，搞器樂演奏的同行都有這個體會，器樂的日常練習枯燥無味，日復一日的“長音”練習、“音階”練習，但這恰恰是學好樂器的唯一“捷徑”。而室內樂則可以把大家的這種枯燥練習化成果實，同學在老師的輔導下演奏出一首首精彩的曲目，使之提高學習音樂、學習器樂演奏的興趣。室內樂演奏來源于西方，西方人的文化是大家分工不同而達到的目的是一致的，這就體現在室內樂上面，學生演奏的分工不同，目的卻是為了一起演奏出精彩的音樂。

（三）“做”在室內樂學習中的體現有兩個方面：第一，認真對待室內樂演奏的學習，課下認真練習下一節課要排練的曲目，認真揣摩樂曲的思想、樂句和演奏風格，在課上排練的時候，認真聽老師對樂曲的分析，演奏的時候不但要演奏好自己的聲部，還要仔細聆聽別的同學演奏的聲部，別的同學演奏的音色，要盡量使自己聲部的音色向合奏音色集中，樂段的劃分要清晰，樂句的演奏要統一。在音樂的幾大要素：音準、節奏、音色、感情上面要與其他參與演奏的同學保持統一；第二，室內樂學習不是只在排練教室里“自娛自樂”，學習音樂的目的是把音樂演奏給別人聽。任何樂手在初次登臺都會緊張，上下臺會不自如，演奏的時候因為緊張而導致音準失衡，節奏紊亂，這都是正常現象，會隨著登臺次數的增多慢慢消失。我國小提琴大師呂思清在參加一次音樂會的時候，就被問及是否在演出的時候發生過意外，呂思清毫不避諱的說，“在一次演出時，琴弦意外的拉斷了，演奏中斷，是我老師幫忙把琴弦換上的，期間還不停的安慰說別緊張，別緊張”。呂思清一點也不介意和大家分享自己當年的尷尬往事。

（四）培養合作意識對于學習演奏室內樂的意義十分重大，西方音樂不同與中國音樂，中國音樂大都是“橫向”音樂，只注重旋律的優美，忽視聲部的交織、襯托；而西方音樂是“縱向”音樂，音樂的進行就是和聲的進行，對于聲部要求很嚴。演奏室內樂最難的恰恰是既突出每個樂器的個性，又要使每個樂器達到和諧共融的效果。

在師范類院校應該有“兩臺工程”，什么意思呢？就是師范類院校的音樂專業學生要能上的了舞臺，上的了講臺。上講臺是對每一個老師的基本要求，上舞臺則需要經驗的積累，切不可因為一次兩次緊張發揮失常就害怕上舞臺。

三、如何在師范類高校推廣室內樂

室內樂是高雅音樂，肖邦是鋼琴詩人，創作了大量旋律優美的鋼琴曲，但是在室內樂領域成就極少。在廣義古典音樂里，有許多成就斐然的音樂家，但是在室內樂領域的有杰出貢獻的音樂家卻沒有那么多，下面我列舉幾個我個人心目中的室內樂音樂大師：海頓、莫扎特、貝多芬、舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等。前三位是古典音樂三杰，后三位是浪漫主義音樂大師。在高校推廣這門高雅藝術既可以提高演奏者對古典音樂的把握，又可以提升欣賞者對音樂藝術的鑒賞能力。

篇7

1古典奏鳴曲的發展進程綜述

在西方藝術的發展進程中，衍生而成的古典奏鳴曲，成為了古典音樂史上，一種重要的樂器音樂的表達形式。奏鳴曲起源于16世紀，經過幾個世紀的發展，奏鳴曲逐漸完善，成為了西方古典音樂的核心形式。巴洛克、海頓、莫扎特、貝多芬等，是編制古典奏鳴曲的靈魂，在其音樂的創作下，古典奏鳴曲更加的飽滿，其表現出的藝術形態，更加具有藝術氣息，是人類寶貴的藝術品。

1.1巴洛克的奏鳴曲時期

在西方燦爛的音樂史上，真正意義上的奏鳴曲作品，出現于巴洛克音樂時期，主要用于鋼琴教學而創作。而正是這種形式下的作品創作，為古典奏鳴曲的形成，奠定了良好的基礎，并對于鋼琴演奏的方式和技巧，創造了巨大的發展空間。1750年是奏鳴曲發展的一個新的轉折點，巴洛克時代的音樂風格，逐漸朝著深奧和復雜的理論方向發展，尤其是復調音樂朝著典雅、清新的方向發展，為主調音樂的發展，營造了良好的氛圍。與此同時，鋼琴音樂的表達方式也開始從復調對位的形式向主調音樂的形式過渡，鋼琴的嚴格音樂調在主調和聲的發展下，形式和內容更加地豐富，并為維也納古典音樂時期的到來，鋪展了諸多的前奏工作。而且此時期，大批優秀的音樂大師為古典奏鳴曲，奉獻了一身的精力，旨在發展和完善奏鳴曲。其中，C.P.E.Bach最為突出，其實現了奏鳴曲朝著表現性格的形式發展，豐富了奏鳴曲的發展內容。為此，C.P.E.Bach是18世紀，古典奏鳴曲的奠基人，為古典音樂的創造性發展，起到了重要的推動作用。

1.2海頓的奏鳴曲時期

海頓的古鋼琴奏鳴曲的創造，被視為奏鳴曲發展的重要時期。海頓作為維也納古典音樂的代表人物，對于C.P.E.Bach的古典音樂模式，進行了發展式的繼承，尤其是其創作的60余首的奏鳴曲，是古典奏鳴曲發展的一個重要里程碑。在1767年之前，海頓的鋼琴奏鳴曲，多以嬉戲曲風為主，基于輕快的表達形式，為奏鳴曲作為真正的教學內容，起到重要的奠定作用；在1768年后的中期，海頓的音樂風格逐漸沉淀下來，作品透露出成熟感，具有一定的深度。同時，在海頓敏銳的音樂思維下，天生的音樂細胞，使得其中期的音樂作品更加地飽滿，作品帶給人濃厚的活力和親切感，尤其是在1771年創作的C小調奏鳴曲，是正意義上的鋼琴奏鳴曲；在1781年后的晚期，作品形式和內容比較詩意，其后期創作的五首奏鳴曲，展現出其頂級的音樂創作能力，從每一首音樂曲中，流露出海頓獨特的個性，多變的曲式，表現出這位大師超凡的音樂想象力和創造力。

1.3莫扎特下的鋼琴奏鳴曲時期

莫扎特作為古典音樂的大師，代表了維也納古典音樂風格，其創作的18余首的奏鳴曲，是奏鳴曲一個時期的象征。莫扎特在音樂的創造上，有著個性鮮明的音樂特征，并從音樂特征中透露出一個時期段，大師所特有的音樂風格。莫扎特和海頓在音樂的創作上，注重旋律和聲感的體現，海頓是創作了這一音樂模式，而莫扎特是發展了這一作曲風格。于是，莫扎特的音樂創作把古典奏鳴曲，推向了純粹的古典意境。并且，莫扎特所表現出來的音樂基調，豐富和發展了海頓的情緒主義基調，在他獨特的不協和音律的使用下，關于歡快的音樂節奏，表現的更加淋漓精致，帶給人內心情味的碰撞，可謂意味深長。

1.4貝多芬下的奏鳴曲時期

貝多芬是世界音樂史上的巨匠，對奏鳴曲的發展做出了卓越的貢獻。貝多芬一生創作了30余首的音樂作品，被視為是世界鋼琴文獻中的巨著。他的鋼琴奏鳴曲作品，在主調音樂的運用上，達到了一個頂峰，其音樂內容豐富、極具張力，對于情感的變化，以及音律的力度，賦予了戲劇性的變化，帶給人心靈的碰撞。而且，貝多芬的音樂之所以偉大，在于天才的音樂思維中融入了創新元素，復雜多變的技術，是其曲目創新的重要情愫。對于貝多芬的研究，可以為三個階段，即其音樂創作的早、中、晚期。其中，早期的鋼琴奏鳴曲作品，受到莫扎特和海頓的影響，其創作的元素單純而炫技，是后期創作發展的重要鋪墊；中期的作品比較豐富，尤其是“月關”曲的創作，完全展現出貝多芬的創作才能，獨特地自我音樂風格凸顯無疑；而晚期的音樂作品，更多地表現出作者不屈的力量，尤其是在失聰后，其作品展現出強有力的生命動感，并在卡農和變奏的使用下，為浪漫主義音樂元素的產生，孕育了“生命力”。

2奏鳴曲的曲式結構分析

奏鳴曲式結構，是音樂嚴謹性、流暢性、整體性的重要內容。在對于奏鳴曲的探究中，關于曲式結構的剖析是必不可少的。奏鳴曲的曲式結構分為三個部分，呈現部、發展部、再呈現部，是音樂寫作過程中，一種固定的寫作框架，具有較強的結構形式。而且，音樂基于三個部分的展示，便于音樂基調的布局，尤其是關于主題元素的呈現，是曲式結構所必須具有的。

2.1曲式結構的呈現部

奏鳴曲式結構的呈現部，主要包括主部、連接段、結尾段。其中主部與連接段的協調性關系，是古典奏鳴曲的傳統，樂曲的各元素形成并置或沖突的狀態，這樣更有助于音樂主題的呈現。同時，在該部分的音樂呈現上，早期的奏鳴曲采用反復式的呈現方法，對于呈現部進行一遍又一遍的表現。而且，呈現部作為樂曲的靈魂所在，是整個樂章的精神所在，因而在創作表現中，該部分的音樂元素比較豐富，需要融入于創作者的情感。

2.2曲式結構的發展部

發展部是音樂展開的部分，是創作者音樂靈魂自由發揮的內容。其主要是音樂的各創作元素，在不同調性上自由融合，進而交替出不同形式下的樂思。在新元素的使用上，要注意復調的處理方式，尤其是對于元素結構上，要以片段性和終止性為核心，使得樂思的方式和內容更加地廣闊。同時，該部分是第三部分的過渡段，其造成的矛盾沖突，是在呈現部的內容基礎。#p#分頁標題#e#

2.3曲式結構的再呈現部

在該部分的展現上，仍以原調為主，并基于連接段，重新使得副部內容在主調上呈現。這樣，可以讓再呈現部的調性保持良好的統一性。而在收尾部分上，表現出很大的不同，諸如貝多芬的作品，在尾聲的處理上，尾聲比較長，有第二展開的尾聲特性。同時，在再呈現部的相關主題的表現上，冠以相關的因子，以在調性和速度上，與呈現部的結構形成對比。

3奏鳴曲中的裝飾音和踏板的使用技巧

在奏鳴曲的藝術元素中，裝飾音和踏板是重點。其中，裝飾音在于長短倚音的區分，以形成明確的奏法。而踏板的運用，更多地是技巧和方法，在古典奏鳴曲中，鋼琴踏板的使用，有著重要的作用。

3.1奏鳴曲的裝飾音在裝飾音闡述中，主要基于莫扎特和海頓的音樂作品，闡述幾種常見的奏法。

3.1.1長倚音的音效，尤其是留音的效果，要做到分配合理，與主要音符在時值上，進行平均分配。這樣，可以有效的控制留音效果，便于裝飾音的完美體現。

3.1.2回音的時值控制，主要基于主元素的時值范疇，對裝飾音的各節拍的落腳點，進行準確的把握，避免第一音落在拍子前，而應該落在拍子上，這樣可以更好地體現裝飾音的價值。

3.1.3在奏音的過程中，關于波音或回音的奏成，要基于實際的創作需要，在“tr”上，做到上方二度開奏，這樣便于各裝飾音的形成，并適應于實際需求。

3.1.4在裝飾音中，貝多芬的比較復雜。各裝飾音要融入于作品之中，進而在拍子中準確的體現，其中低音的對準，是裝飾音最為重要的一點。而在對于貝多芬的裝飾音，在演奏時要對于其相關的元素弄清楚后，方可進行演奏。

3.2鋼琴踏板的使用

篇8

二、大學音樂教學中古典音樂與流行音樂結合的價值

當前，大學音樂教學內容都涉及古典音樂和流行音樂，但二者是分離的，還未實現有機結合，學生音樂素養和綜合素質得不到明顯提高，因而無法實現理想的教學效果。而把古典音樂與流行音樂結合在一起對學生進行教學，有以下幾方面的價值：首先，有利于幫助學生完善音樂知識結構。把兩種音樂結合起來教學，學生不但可以學到更多音樂知識，而且可以明確了解兩種音樂之間的聯系，從而不斷豐富學生的音樂素養，提高學生音樂欣賞水平以及學生的音樂創作水平。其次，有利于培養學生的綜合素質。在大學音樂教學中，教師把兩種音樂結合起來對學生進行教學，為學生組織一些教學活動，學生就能夠在參與活動的過程中，不但學習到不同類型的音樂，掌握豐富的音樂知識和音樂方面的傳統文化，而且可以鍛煉自己多方面的能力，從而提高自己的綜合素質。最后，有利于提高音樂教學的學生參與度。當前，部分學生對古典音樂有一定的“偏見”，他們認為古典音樂太過高雅、嚴肅，因而不愿意積極參與到古典音樂教學中。而如果教師能把古典音樂和流行音樂結合起來進行教學，就會使音樂教學內容更加活潑，就能夠在相當程度上激發學生學習音樂的積極性，從而使其積極參與到音樂教學中。這樣，不僅可以提高學生的音樂素養和音樂欣賞能力，而且能夠從整體上提高大學音樂教學的質量。

三、大學音樂教學中古典音樂與流行音樂有機結合的策略

大學生處于一個比較特殊的年齡階段，他們追求時尚、彰顯個性，對流行音樂有濃厚的興趣，但對古典音樂卻提不起興趣。導致這種現象出現的原因有兩個，一是學生缺乏系統的音樂知識，音樂鑒賞能力和欣賞水平不高，對古典音樂沒有足夠的認識；二是在音樂教學過程中，教師往往忽視兩種音樂的結合，教學內容和教學形式比較單一，學生因而無法學習到系統的音樂知識，音樂知識面和欣賞面較為狹窄。對此，大學音樂教師應該積極轉變教學思想和教學模式，把古典音樂與流行音樂有機結合，以豐富音樂教學內容，從而提高學生音樂素養及綜合素質。

1.優化教學內容 在傳統的大學音樂教學中，教師單一地給學生講解相關音樂教材上的音樂知識，忽視了古典音樂與流行音樂的結合，教學內容比較單一，導致學生無法獲得豐富的音樂知識。因此，大學音樂教師應該注重教學內容的設置，除了對現有教學內容進行整合之外，還要為學生挖掘更多古典音樂與流行音樂相結合的教學內容，讓學生感受到音樂教學的魅力，從而積極參與到音樂教學中，了解深層次的音樂知識。此外，在當前的大學音樂教學中，教師設置的教學內容更偏重于流行音樂，在很大程度上忽視了古典音樂，不利于學生了解、掌握古典音樂。因此，大學音樂教師應該把古典音樂滲透到教學內容中，充分利用多媒體技術，為學生搜索并播放一些耳熟能詳的古典音樂，如貝多芬的《獻給愛麗絲》、肖邦的《夜曲》等，讓學生在潛移默化中接受古典音樂的熏陶，提高學生欣賞古典音樂的水平。但教師要注意，在這個強調古典音樂的過程中，也不能忽視流行音樂，也要給學生播放一些流行音樂，最好是播放一些流行音樂與古典音樂相結合的歌曲或音樂，讓學生感受到不同音樂的魅力。除此之外，在教學過程中，教師還要注重學生的情感體驗，引導學生把自己的情感融入音樂中，讓學生內心產生情感共鳴，從而更加深刻地了解作者、演奏者的意圖和情感。例如，在學生的演唱中，教師既要注意引導學生掌控演唱的技巧，更要注重引導學生投入自己的情感，讓學生認識到只有投入自己真情實感的演唱才能使演唱具有靈魂，才會引發觀眾共鳴，從而使學生不斷自覺督促自己提高音樂表達能力。

篇9

現階段我國幼兒音樂教學是遵循《幼兒園教育指導綱要（試行）》的要求，對于音樂教育內容大致如下：第一，貼近幼兒的生活，滿足幼兒對音樂的天性、興趣、感受、體驗、表現及創作；第二，要照顧到各年齡階段幼兒的知識經驗和技能水平，還要考慮每個幼兒的愿望和興趣；第三，音樂作品的題材風格要廣泛；第四，引導幼兒了解不同民族、不同國家的音樂表現形式。從上述我們可以看出，古典音樂作為一種重要的音樂形式，國家是大力推崇的，因為它所能涵蓋的范圍很寬泛，從橫向上來看可以代表各個國家的音樂風格，從縱向上看代表著每個不同時期的音樂風格，以及每個音樂家所詮釋的音樂風格，它能帶來不同的情感體驗。

二、古典音樂在幼兒音樂教學中的運用

古典音樂尤其自身的獨特性，幼兒音樂教學中存在的問題亟待我們解決，對于如何使其古典音樂能更好的發揮它的作用，筆者將著重兩種方法談起：實踐方法和游戲方法。

（一）實踐方法

如今幼兒音樂教學中最缺少的是實踐，針對這一方面，古典音樂應該如何融入幼兒實踐中去，應該如何體現幼兒在實踐中的主體性地位，筆者進行了一些探索。

方法一：器樂帶進課堂

古典音樂的體裁形式多樣的，如協奏曲、奏鳴曲、交響曲等，在幼兒剛了解古典音樂初期階段，可以從交響曲開始，例如以貝多芬最為著名的命運交響曲為例，當樂曲的開頭部分，強震撼的重音演奏出來的時候，幼兒教師可以通過注意觀察幼兒的表情，是充滿了恐慌情緒還是依然鎮定等等，來判斷幼兒對音樂的理解。用音響、交響的視頻等多媒體手段先給幼兒一種音樂初步的印象，再通過這首曲子介紹整個交響樂團的構造，最后，適當的帶器樂到課堂，可以讓幼兒進行適當操作或觀看有特長小朋友的表演，這樣幼兒可以知道，在這復雜的交響音樂中，原來單獨一件樂器的聲音也同樣是美妙的。

方法二：音樂三要素的運用

構成古典音樂三個要素是：節奏、旋律、和聲，一首好的音樂都是這三個要素完美的統一，在對于幼兒音樂的培養上，尤其在實踐的環節，更應該從這三個方面進行訓練。第一，節奏上來看，據了解，兒童最初學習音樂最適宜的速度是每分鐘120拍—130拍，如強弱的節奏，可以表現正步走的律動，但如果被拉寬，四四拍子的節奏，就變成了抒感的律動，正如“我的太陽”，相反如果緊縮，變成八分音符或者十六分音符，正如“土耳其進行曲”就是一種歡快。這樣不同的節奏感訓練，是常見幼兒音樂教學實踐中采用的方式。第二，從旋律上，表現的形式更加的豐富，旋律是音樂真正的靈魂。在這里，我們可以在教學中加上各種其他藝術表現形式，如舞蹈、戲劇、音樂劇等等，這樣不僅可以使更多的兒童參與，還能活躍課堂氣氛，第三，從和聲的角度，由于幼兒對于音樂基礎的概念還不能完全的建立，在和聲表現兩個或多個不同的音同時發出的音響方面，不一定可以很好的掌握，幼兒教師針對這一缺陷，引入其音樂相關背景及其故事情節介紹即可。

（二）游戲方法

我國著名的教育家陳鶴琴先生曾說過：“我們應該注重兒童的音樂教育，用音樂來豐富幼兒的生活，陶冶兒童的情感，使兒童的性情通過音樂的洗練，達到至精至純的陶冶，以至于引導兒童以快樂的精神來塑造自己的生活”。根據研究表明，幼兒期處于的象征性游戲階段，幼兒的游戲不再是身體動作的簡單重復，而是由思維的參與，出現了象征物或者替代物，根據這一特點，我們應該采取的游戲方法可以有獨自游戲、平行游戲、聯合游戲、合作游戲。

第一，獨自游戲

這個階段主要是出于幼兒園的小班階段，在這一時期，因為兒童喜歡獨處，很專注于自己的世界，幼兒教師可以選取一些優美的古典風格的曲目，作為背景音樂，側重培養對于古典音樂的興趣，感受不一樣的聲音。

第二，平行游戲

這種游戲方式，表明兒童對于游戲方式他要求一種對等關系，正因為如此，教師可以拿一首古典音樂譜子，例如肖邦的夜曲鋼琴譜，可以先教會孩子們五線譜的一些簡單的符號，比一比，誰畫的好，這樣的游戲是統一性的，幼兒更容易接受。

第三，聯合游戲

這個階段處于幼兒園的中班，幼兒會出現一種以自我為中心的傾向性，這時兒童大多表現出以自身的興趣為出發點，愿意參加其活動，但是以自身出發。針對這一時期，在幼兒教學中，我們就可以采取一些創意性的做法，比如選用“圣桑動物狂歡節”片段，里面有不同的樂器表現出來的聲音，幼兒教師可以用事先做好的道具，讓兒童自己選擇，想扮演的角色，通過角色扮演，教師可以傳達一些關于動物的常識。

第四，合作游戲

到了幼兒園的大班，兒童組建的以集體共同目標為中心，在游戲中相互合作努力達到目的，有明確的分工、合作及規則意識。鑒于此特點，古典音樂與游戲結合形式更加的豐富，不僅僅局限于角色的扮演，還可以根據不同的情景進行變換。比如欣賞維瓦爾第的“四季”，其針對不同的季節，對于音色的選擇，節奏的感覺各不相同，把音樂與生活結合起來組合一些小游戲，讓兒童更好的熟悉生活，了解季節的變換，體驗生活的美好。

三、總結

兒音樂教學正處在不斷探索的階段，利用好古典音樂這一寶貴的資源，創設出符合兒童的教學方案，這是作為幼兒音樂教育研究者急切需要解決和探索的問題。國內外對早期兒童音樂教學的心理學研究正在進行，特別是對“多通道參與”教學思路的研究，越來越受到了重視。古典音樂作為獨特的音樂素材，可以很好發揮感官作用運用到幼兒音樂教學，可滿足其“多通道參與”功能教學屬性，但如何讓其更好的運用，這值得我們進一步探索發現的。

參考文獻：

[1] 馮志平.西方音樂史與名作賞析[M] .人民音樂出版社，2006年版

[2] 羅小平，黃虹.音樂心理學[M] .上海音樂學院出版社，2008年版

[3] 沈旋，谷文嫻，陶辛.西方音樂史簡編[M] .上海音樂出版社，2004年版

篇10

二、選擇內容。首先，我做了一個問卷調查，對象是我所教的四年級學生。調查結果表明，對流行音樂感興趣的，約占95%；對兒童音樂感興趣的，約占60%；對戲曲感興趣的，約占20%；了解原生態音樂的，約占5%；了解古典音樂的，約占12%。對比著這次調查的結果，我開始有針對性的通過各種渠道搜集音樂素材。然后，我把搜集來的音樂素材分門別類進行整理，并根據不同的內容制定了不同的教學方法。例如：

1.勇于入“流”入“俗”。

“流”是為流行，“俗”意為通俗。如果課堂上你對“周杰倫”、“林俊杰”、“SHE”、“筆筆”等一無所知，那學生將會取笑你的落伍。如果你對此有所了解，并能說出自己獨特的見解與感受，那學生將從你身上找到共鳴而親近你。小學階段的學生，對流行和通俗音樂的欣賞與崇拜是盲目的。課堂上，常有學生叫囂著喜歡周杰倫的歌，問其為什么喜歡，他侃侃而談：“周杰倫他很有才華，唱的歌都是自己寫的，每年都能出一張新專輯。他自己還說呢，每張專輯里都會有一首中國風的歌曲。這說明他很愛國。”然后有學生又提出不同的看法：“我不喜歡周杰倫，他口齒不清，唱歌速度又快。”于是我就找了一首比較有代表性的歌曲《霍元甲》放給他們聽。欣賞完之后，我和學得出一個結論：周杰倫確實是一個值得我們崇拜的歌手，但是他的大多數音樂并不適合小學生來學習和演唱。從那以后，學生們對周杰倫的歌曲就有了比較理性的認識。所以說，流行音樂并非洪水猛獸，教師無須談之色變。只要教師擅家引導，它將是音樂課堂的調味品，更是師生感情的劑，是寶貴的課程資源。

2.重視民族音樂。

我國是個多民族的國家，少數民族音樂特別豐富，每個地方都有自己獨特的音樂。在課程資源開發上，要把當地的自然環境、人文環境、現實生產、生活環境與民族音樂特色相結合起來，因地制宜的把民族音樂采入課堂。

四年級學生在學完了民歌的三種類型后，我利用周末的時間，去老藝人那里錄制并“偷師”了一段民間音樂，然后在隨后的教學中展示給學生，使學生認為自己家鄉的音樂是“不入流的”觀念徹底更新，并對民歌有了新的認識。我還給他們播放了原生態歌手阿寶和全國十大男高音歌唱家戴玉強以及著名民歌歌唱家吳雁澤同臺演唱的《草原上升起不落的太陽》，讓學生深切感受到這三種不同文化內涵的歌唱都有著打動人心的巨大魅力。這種具有地方特色與個性化的教育資源才是我們真正要重視的多元音樂。這些內容貼近學生生活，和我們教材的共性內容形成互補，使我們的音樂教學變得更加親切、有趣、新穎和豐滿。

3.淺嘗古典音樂。

俗話說“詩言志，歌詠言”，歌為心聲。如果音樂缺乏與學生生活產生共鳴的東西，就難以讓學生產生興趣，吸引學生。例如，從小學習古典鋼琴的周杰倫偶像是有“鋼琴詩人”之稱的肖邦。他的新專輯《十一月的肖邦》從造型到主打歌都以古典為基調；SHE的新歌《波斯貓》在編曲中引用了凱爾巴特的《波斯市場》中的樂句；王力宏自幼學習古典音樂，他的流行音樂的創作精神就有古典音樂的影子，在他的歌曲《感情是舞臺》中，王力宏以為對象，編曲中用了他的《第四交響曲》中的一個樂句。由此可見古典音樂對現代流行音樂的影響是十分深遠的，所以我就在課堂中給學生們欣賞了一些古典音樂。音樂是沒有國界的語言，通過給學生們欣賞不同時期、不同國家、不同語言的古典音樂，使學生們對古典音樂有了初步的了解。

三、資源運用。教材外音樂資源不同于教材中的音樂資源那樣有配套的磁帶或教學光盤。從網絡中下載音樂，也是我常用的一種手段。我把下載好的音樂，刻成CD來播放，可是每次將音樂刻成CD，價格高，成本大，還有易磨損、不方便攜帶等諸多不便，所以僅僅依靠CD是遠遠不夠的。在這里，我向大家推薦使用錄音機播放MP3。方法是用一根音頻連接線的一端連接MP3的PHONE接口，即音頻輸出的接口，另一端連接錄音機的karaok接口，即話筒接口，在播放MP3的同時按下錄音機的PLAY鍵，這樣就可以用錄音機播放MP3播放器中的所有內容了。我還把話筒運用在了教學過程中，結合MP3的錄音功能，把學生演唱的歌曲錄制下來放給大家聽，并讓學生來評價。這種方法也極大的刺激了學生的表現欲望，提高了學生對音樂課的興趣。

這些音樂課堂的“題外話”似乎是我“多管閑事”，但是身處音樂教師這個圈子之中，身在學校教學一線，“題外之話”卻又是和我們的教學事業息息相關。只有不斷地提升音樂課的質量，豐富音樂課的內容，才能有效地拓寬學生的音樂視野，同時才能使自己成為一名優秀的音樂教師。

參考文獻：

[1]潘椒.教育心理學[M].北京：人民教育出版社，2013.

[2]民間音樂概論[M].河北師范音樂系編，2013.

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二、爵士鋼琴樂在中國的發展

（一）業余式發展

我國的業余爵士鋼琴音樂教學在一定程度的音樂影響下形成了一套較為完善的體系，并且也多以巴赫等知名音樂家的作品為聯系曲目。隨著近幾年來的流行音樂的迅速發展，我國也在實際需要的情況下引進了篇幅較小但整體音樂節奏性較強的非著名音樂家的爵士鋼琴作品。但在我國的音樂環境中因我國的傳統音樂形式的限制使得爵士鋼琴樂在一定程度上受到了某些發展限制，也導致了這一爵士音樂形態在發展上存在一定的滯留問題。所以在業余發展上還需要進一步擴大其普及力度。但業余發展中爵士鋼琴樂演奏者的演奏技巧以及自身對于爵士鋼琴樂的興趣程度都得到了一定的提升，但仍需加強，使其能夠更好的在業余音樂圈發展完善。

（二）爵士鋼琴樂的專業型發展

與傳統的古典音樂形式不同，爵士樂具有極強的節奏感，并且能夠在極大程度上勾起學生的學習興趣。但目前我國的高校音樂教育中，僅有極少部分的高校將爵士鋼琴樂劃入到教學體系中，并且在音樂考核上也得不到應有的重視。綜合高校教育的各方面情況來看，爵士鋼琴樂的地位相對與其他形式的音樂地位仍然較低，在很多的高校音樂教育中似乎可有可無。相關的教育機構以及教育工作者應當加強對爵士鋼琴樂教學的重視，保證學生能夠接受到全面的爵士鋼琴樂的知識管事，使其能對這一藝術形式進行系統的學習，保證學生的音樂水平向多元化方向發展，并保證學生的實際音樂形式的需要得到一定程度的滿足。

三、爵士鋼琴樂在中國的發展策略

（一）加強我國的爵士鋼琴樂教學的師資力量的建設

在我國的爵士鋼琴樂的教學工作中，教師對于爵士鋼琴樂的教學質量來說是最為重要的因素之一。因我國音樂環境的限制，爵士樂發展較為緩慢的原因，因此在爵士鋼琴樂的師資力量上我國急需加強。目前我國的教育機構以及高效的爵士鋼琴專業還極其缺少質量過硬的師資力量，因此也使得我國的爵士鋼琴樂的教學水平普遍較低。基于這樣的情況影響，我國應當廣泛北洋相應的爵士樂人才，并且盡可能的多引進外來的專業型人才，使我國在爵士樂的發展進一步完善。與此同時我國的相關音樂教育工作者也應當加強與外國先進爵士音樂人才的學術交流，并且組織我國的音樂專業學者學生定期進行爵士樂深造，汲取外國優秀的爵士樂經驗，填充自身的爵士鋼琴樂知識面，并使演奏技巧得到一定程度的提升。

（二）設置相應的爵士鋼琴樂課程

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三、蘇聯學派：這也許是二十世紀最有影響力的學派了，是在俄羅斯民族學派的熏陶下成長起來的；繼承和延續19世紀俄羅斯古典音樂的傳統風格；學習和發展了西歐優秀的鋼琴技術；吸收了各國的演奏風格并形成了自己獨特的藝術文化。蘇聯學派的教學融合吸收了西歐先進的訓練方法，既有堅實的基本功又有豐富的情感。嚴格的手指訓練是蘇聯演奏法的基礎，同時手指訓練也形成了一套專業的訓練體系。我們可以感受到手指訓練對于蘇聯學派來說是多么重要，它特別講究每一個音的演奏，對手指力度的要求是非常嚴格的。它主張樂曲樸實又有充沛的情感體驗，演奏情緒較明顯但又不能出現感情上的極端表現。演奏中，要體現出西歐的鋼琴音樂作品的風格特點，對樂曲的處理也是特別的嚴格，要求保持音樂的古典性質而且傾向于作品的原作。蘇聯學派重視演奏者個人對音樂的理解，這表現了俄羅斯古典音樂所固有的人民性、人道主義、真實性和崇高的道德力量。蘇聯學派培養出了很多杰出的鋼琴家并在國際舞臺上形成了強大的陣容，但是隨著時間的流逝，各派別逐漸失去了自己的個性，互相滲透形成了新的美學觀。

四、英國學派：英國學派吸收了歐洲的各個學派的精華并加以改正，融合到自己民族文化中并形成了自己本民族的學派。英國學派一直在探索和創新，為了更適合自己的教學。英國學派提倡古典美，既有技巧又有豐富的感情，講究高雅，對樂曲的速度處理比較仔細并且對于音色的要求也很嚴格，它的音樂特點是非常甜美。

五、意大利學派：每個學派其實都受自己國家文化的影響，同樣意大利學派也深受著意大利模式的影響，追求完美。意大利學派為了開拓人民群眾的音樂視野，創建了音樂教育機構，這為學派的形成奠定了基礎。意大利學派重視音樂的內在美，通過細致的音色變化使作品更加豐富，更加優美。它要求演奏者全身心投入表演中，可以更夸張更豐富，充滿活力的演奏是意大利學派所推崇的，強調音樂要圓潤，厚重，明亮。

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古琴曲《梅花三弄》，歷史悠久，清純典雅，旋律優美，流暢如歌，獨具特色。全曲共十段。前六段中基本主題出現三次，故稱“三弄”。通過對梅花凌霜傲雪的神態的描繪，歌頌了梅花不畏嚴寒的高潔品格，表現了梅花的靜態之美。后四段有激越的音調，形成矛盾沖突，表現了“梅花斗雪開”、不畏風雪嚴寒、“傲骨凌凌，不為之屈”的氣質和競相怒放、生機勃勃的動態之美。古人有“梅為花之最清、琴為聲之最清，以最清之聲寫最清之物，宜其有凌霜音韻也”之說。本曲借物詠志，借對梅花潔白、芬芳、耐寒、高雅等品質的贊美，來贊美具有高尚節操的人物。1972年，作曲家王健中據此改編成同名現代鋼琴獨奏曲，其間曾受到詩詞《詠梅》的啟發。現扼要分析如下：

1　關于改編的主導思想

從全曲的各方面看，其指導思想應是：尊重和保留原曲的思想境界、情感內容、主題音調、時代風格。而這些恰恰是改編一部音樂作品該遵循的基本原則。

2　關于曲式結構

沿用了古典中：“主題呈示――主題再呈示――主題變化呈示”的布局框架，通過“三弄”，反復吟唱同一主題，從而使梅傲雪風中，堅忍挺拔的個性和樂曲的主題旋律更加突出。可以說：這是本曲曲式結構的最佳方案。

3　關于主題安排

嚴格遵循了古典主題安排，突出了基本主題的優美形象，分三種面貌：第一次呈示于F宮調式明媚的高音區，采用簡潔流暢的伴奏音型，表現出梅花清新秀麗的形象。第二次呈示于中、低音區，左手演奏更為柔情的主題，右手在高音區以晶瑩透明的平行四度雙音，襯托出梅花高潔如玉的品格。第三次呈示，轉到E宮調式特高音區上出現，閃閃發光的高音曲調，華麗的分解和弦伴奏，塑造出寒風中一枝紅梅傲然挺立的雄姿。第七段以后，是第二主題的自由展開。

4　關于和弦構成

和弦是形成和聲結構的基礎材料，是歐洲古典傳統和聲體系，是當代世界各國(包括我國)專業音樂藝術領域中應用最廣的和聲體系。它的和弦構成則是：“三個或三個1：2 1-的音，按三度疊置的方式形成和弦”。但在本曲中，完全不采用上述體系的原則和基本和弦，而是創造性地運用了一系列全新的和弦作為本曲和聲結構的基礎材料。主要是：(1)換音和弦。在全曲的開頭，就使用了這種民族特性的和弦。用距離根音的四度音代替了原本三和弦中的三音，造成了純四度與大二度之間的碰撞，使和弦加劇了緊張感而成功地避免了三度疊置和弦造成的西方大小調的感覺。(2)加音和弦。如29小節f、a、c加入了二度音g，并在低音與中聲部和聲層的烘托下，高聲部則更多地模仿了古琴中的泛音奏法，使在鋼琴這件西洋樂器上演奏的古琴曲，民族風味十足；在梅花主題第二次出現時(62小節)則運用了三和弦的基礎上加入了二度和六度音，同時右手在加音和弦基礎上形成的四度平行的橫向推進，顯現了梅花輕巧、活躍的音樂形象。(3)在傳統和聲中的創新也較普遍地引用到該樂曲中。首先，我們可以在18小節看到第二個和弦d、c、f運用了二度疊置，這種大二度(即小七度)的疊置被稱為“溫和的不協和”音程，這種大二度在以寒冬為底色的基礎上吹來一絲暖風。(4)170小節的第二拍c、f、d、g則是一種突破，該和弦是四度拼疊型和弦。由于這種和弦中兩個純四度拼疊關系與我國樂器琵琶的形式相同，所以有人也稱之為“琵琶和弦”。(5)在調性中，梅花的主題由c微進入，轉到F宮，并目在c徵凋的開頭并沒有使用c徵和弦，而是用了F宮和弦的第二轉位，此時宮音和弦并不是上屬功能，而是起到了定調和弦的作用，也就是所謂的傳統和聲的“以宮定徵”。

5　關于和聲手法

本曲和聲手法主要有：(1)主旋律進行中的柱式和弦伴奏手法。(2)主旋律進行中的分解和弦伴奏手法。(3)主旋律進行中，同時出現副旋律或對位旋律的伴奏手法。(4)主旋律長音中或樂句銜接處的空白地帶，用和聲音型進行穿插裝飾、填空的伴奏手法。(5)各聲部與主旋律保持平行四度、五度、八度的和聲伴奏手法。(6)在沒有旋律的片段，用各種和弦音型形成各種變奏、過渡、發展的音樂段落的手法。上述種種手法，都是借鑒歐洲鋼琴音樂作品中常見手法。方法可以借鑒現代西洋創作手法，但作品的內容、情感、風格卻延續著中國古典韻味。

6　關于音色布局

主要有：引子中柱式和弦的沉重音色；基本主題在高音區首次呈示的明媚音色；第二次在中低音區劃呈示的柔美音色；第三次呈示在特高音區的輝煌音色；第二主題的進軍號式的音色，最后五小節模仿古琴泛音的銀亮音色；平行四度旋律和平行五度伴奏的空靈音色等等。音色的多樣化布局，大大渲染了鋼琴曲的色彩效果。

7　關于轉調和發展手法

在全曲以F宮調式為中心的音樂中，為了突出基本主題的第三次呈示，突然轉入E宮調式，音樂形象極為輝煌，是音樂內容和音樂形象的需要。之后，接著又轉入#F宮調式，也是為了后半部音樂形象變化發展的需要。以上這些，在原古琴曲中是根本沒有也不可能有的，是鋼琴曲中運用現代作曲手法對古琴曲內涵的深化，具有重大的創新意義，在如何繼承古典技法上具有特殊意義。

8　關于形象布局

本曲是造型作品，表現的是“物”，即：梅花的靜態與動態形象。如果說到“情”，也只是從古人“借物詠志”的角度，象征性地涉及到人的情感而已。但它所塑造的梅花的“靜”與“動”的形象，卻是在鋼琴上通過復雜的音樂織體表達出來的，其中精彩的創新性可想而知。

9　關于避免“洋味”，保持“古味”

以上各種已經做了大量努力。在避免“洋味”方面：從反義上采用歐洲傳統的三度疊置和弦。在保持“古味”方面：(1)大量運用平行四度旋律工裝飾伴奏音型。(2)大量的平行四度或平行五度的低聲部和聲伴奏。(3)從本 曲一開始，在PP的沉靜音調中每一個旋律音都有柱式和弦支持，每個柱式和弦前邊都用一個低八度的空八度倚音為先導，產生了古琴傳統演奏法中的奇妙效果，先后出現20多次。渲染了濃烈的“古味”。(4)最典型的是全曲最后五小節，鋼琴右手在極高音區演奏平行四度的基本主題動機再現，左手演奏平行五度的低聲部伴奏。這個天籟般的空靈音響效果，是絕對的中國古典味!更奇妙的：在我國演奏古琴曲《梅花三弄》的三位大師：傅雪齋、吳景略、張子謙的曲譜中，結尾都不是采用古典最基本主題的音調。惟獨作曲家王健中改編的鋼琴曲中，用古典基本主題的動機為最后五小節結尾音調。嚴格說來，這種手法是歐洲作曲法中常用的、行之有效的手法，根本不是中國古典傳統，但奇妙的是：效果卻非常好!聽起來是絕對的中國古典味!特別是令人聯想到詩詞《詠梅》中“已是懸巖百丈冰，猶有花枝俏。俏也不爭春，只把春來報。待到山花爛漫時。她在叢中笑”的美麗畫面。作曲和表現方法雖是西方的，但用在這里卻是創造性的!“洋為中用”，只要用得恰當，“洋”也就“中”了!

從以上九個方面看，對該樂曲的改編能取得成功，是必然的。這種必然性也體現在《梅花三弄》將中國古典樂曲中的民族特性與現代西洋樂器――鋼琴完美地結合在一起，而這一點可以為中國古典樂曲的發展開辟一條新的道路。

關于藝術創作并不代表著完全的創新和完全的舍棄，恰恰相反，對于藝術的創作(包括改編樂曲)，卻正是對于傳統的一種“去其糟粕，取其精華”的理念。只有真正從本質上去了解過去的文化與哲學理想，才會創新以及對藝術(音樂、美術、文學)的再度創作。而對于完全的拋棄過去傳統的作法，只會建成“空中樓閣”，沒有任何的根基。但反過來，緊抱過去的東西不放，“閉門造車”同樣不會取得成功，同樣不能把好的東西展向外人，推向世界。在這里，我想通過對鋼琴曲《梅花三弄》藝術創作的分析，再一次地重申：拋棄以上的兩種錯誤，做到古典與現代的完美結合，做到民族與世界的相互交織，做到音樂與情感的水融，才能堪稱得上是好的藝術創作，從而值得我們在創作以及演奏等方面借鑒、學習。而且我們不能只片面地停留在樂曲的表面，只有深入地了解，才會有未知的創作。

通過對鋼琴曲《梅花三弄》的深入研究可得出以下結論：

1　改編目的將中國古曲改編成現代鋼琴曲在中國特色的社會主義文化建設中起到了重要的作用，目的在于：

(1)為了人民的需求。中國人民熱愛自己民族的古典音樂，但直接欣賞古曲在時代、空間、審美觀念上又有很大的差距。通過改編為現代鋼琴曲，更易傳播、理解、欣賞、接受。

(2)為了古曲的新生、人類的共享。古曲古樂雖是珍寶，但不便流傳。要想在新時代、新聽眾中一展自己的容顏，如不脫胎換骨練就出新的生命、求得新的容顏是不可能的。中國古典名曲從文化意義上講，它不僅僅屬于中國也屬于全人類。它是“非物質的世界文化遺產”。除了原曲、原譜、原聲應受到保護之外，改編為現代鋼琴曲，有利于世界共聽、人類共享。這是將中國古典文化珍品向全世界傳播、讓中國古典名曲走向世界的有效手段。

2　對當代鋼琴作品創作的意義